Pink Floyd - подробное описание студийных альбомов

[black-rook]

 

Pink Floyd (русск. Пинк Флойд) — английская прогрессив/психоделик/арт рок/-рок-группа. Знаменита своими философскими текстами, акустическими экспериментами, инновациями в оформлении альбомов и грандиозными шоу. Является одной из наиболее успешных групп в рок-музыке — около 70 млн проданных альбомов в США (седьмое место), в мире же было продано около 200 млн.

Группа была основана в 1965 году однокурсниками по архитектурному факультету лондонского политехнического института (Regent Str. Polytechnic) Ричардом Райтом (клавишные, вокал), Роджером Уотерсом (бас-гитара, вокал), Ником Мэйсоном (ударные), и их кембриджским другом Сидом Барреттом (вокал, гитара). В 1968 году к четверке присоединился Дэвид Гилмор, который заменил Барретта после его «отставки». После ухода Барретта доминирующими фигурами в группе вначале стали бас-гитарист Роджер Уотерс и клавишник Ричард Райт, но со временем Райт уступил гитаристу Дэвиду Гилмору. Уотерс с каждым новым альбомом закреплял лидерство, постепенно придя к единоначалию. После ухода Барретта и вплоть до 1983 года Уотерс был автором подавляющего большинства лирики песен группы (например, уже с 1973 года тексты писал только он один) и главным автором самого концептуального альбома группы «The Wall». Последний альбом группы («The Division Bell»), последний тур и негласный распад состоялись в 1994 году. Каждый из участников группы сделал в той или иной степени успешную карьеру, в основном опираясь на опыт альма-матер. Последнее выступление классического состава произошло в июле 2005 года на концерте «Live 8».

Первоначальный состав:

* Сид Барретт (англ. Syd Barrett) — гитарист, вокалист (1966—1968);
* Роджер Уотерс (англ. Roger Waters) — бас-гитарист, вокалист (1966—1985);
* Ричард Райт (англ. Richard Wright) — клавишник, вокалист (1966—1981, с 1987 по 15 сентября 2008);
* Ник Мейсон (англ. Nick Mason) — барабанщик (с 1966 по настоящее время).

Присоединился позже:

* Дэвид Гилмор (англ. David Gilmour) — вокалист, гитарист (с 1968 по настоящее время).

Название «Pink Floyd» образовано комбинацией имён джазовых, точнее ритм-н-блюзовых музыкантов Пинка Андерсона (Pink Anderson) и Флойда Каунсила (Floyd Council), фанатом коих был Барретт; название это, по рассказу Уотерса явилось Баррету в вещем сне, и он настоял на переименовании группы. До этого группа сменила много названий: «Sigma 6», «T-Set», «Meggadeaths», «The Screaming Abdabs», «The Architectural Abdabs» и «The Abdabs». Притом вначале группа именовалась «The Pink Floyd Sound», затем просто «The Pink Floyd» и только потом определённый артикль «the» был отброшен в угоду «звучности».

[black-rook]

 A Piper At The Gates Of Dawn [/color]



Дата выхода: 05 августа 1967
Компания: EMI Records Ltd
Студия: Abbey Road
Продюсер: Norman Smith
Звукорежиссер: Peter Brown
Автор обложки: Vic Singh, Syd Barrett

Сид Барретт: гитара, вокал
Роджер Уотерс: бас, вокал
Рик Райт: клавишные
Ник Мэйсон: ударные

Track List:
[04:12] 01 - Astronomy Domine
[03:07] 02 - Lucifer Sam
[03:08] 03 - Matilda Mother
[02:46] 04 - Flaming
[04:26] 05 - Pow R. Toc H.
[03:06] 06 - Take Up Thy Stethoscope And Walk
[09:40] 07 - Interstellar Overdrive
[02:13] 08 - The Gnome
[03:42] 09 - Chapter 24
[02:11] 10 - Scarecrow
[03:24] 11 - Bike

Первый альбом PINК FLOYD явился детищем главным образом Сида Баррета. Его название он взял из седьмой главы детского романа Кеннета Грэма «The Wind In Тhe Willows», в которой герои романа встречаются с великим богом Паном, олицетворяющим могучие, хотя и дружественные, силы природы.

Баррета привлекла та простота, с которой Грэм доносит глубокие философские концепции до своих юных читателей. Сид часто рассказывал друзьям о своей встрече с Паном (возможно, под воздействием ЛСД), которая дала ему глубокое понимание природы. В этом контексте альбом предстает не просто образцом причудливой английской психоделии, а отражает интерес к мистицизму, к природе, озабоченность поисками места человека во вселенной.

Astronomy Domine - подобно «Interstellar Overdrive», отражает первые опыты Баррета с ЛСД, предпринятые им в конце 1965 года. Тогда Сид был поражен открывшимся ему величием вселенной. Он приобрел небольшой астрономический атлас, в котором приводились догадки известных астрономов об условиях жизни на различных планетах Солнечной системы, что и послужило основой для песни. Эту информацию Сид разбавил упоминанием о герое комиксов, «пилоте будущего» Дэне Дейре. В самом начале песни на фоне морзянки слышно, как Питер Дженнер читает в мегафон названия астрологических знаков и информацию из атласа Сида.

Lucifer Sam - первоначально называлась «Percy Тhe Rat Catcher», и была идея сделать на ее основе получасовой фильм. Люцифером Сэмом звали кота английского поэта Томаса Перси. Сид извлек эту информацию из своей записной книжки и соединил ее с модными в то время психологическими представлениями о правополушарных и левополушарных людях и намеками на свою подругу Дженни Спайрз, которая предстает в песне как Дженифер Джентл.

Matilda Mother - навеяна воспоминаниями о сказках, рассказываемых мамой перед сном. Большая часть образов взята из популярных детских стихов Хилейра Беллока «Cautionary Tales». Когда песня первоначально исполнялась «вживую», Сид просто читал стихи из книги, однако, когда настало время записи альбома, Эндрю Кинг не смог получить разрешение на использование стихов, поэтому Сид написал собственную версию. Как и для Джона Леннона, детство было для него убежищем, когда давление реальности становилось невыносимым.

Flaming - была написана после одного из психоделических пикников на берегу реки Кем в Кембридже осенью 1965 года. Впечатления о трипе Сид соединил с детскими воспоминаниями об игре в прятки со своей сестрой Розмари. В детстве Сид ощущал сильное сродство с природой, и, принимая ЛСД, он воскрешал в себе это чувство.
Свечение — это один из эффектов воздействия ЛСД, когда обычные предметы начинают как бы светиться или искриться. Этот эффект нашел также отражение во многих живописных работах Сида того времени.

Pow R. Тoc Н. -  имеющая в своей основе басовую партию Уотерса, является сознательной попыткой продолжить «Interstellar Overdrive», так как группе хотелось, чтобы их первый альбом содержал достаточное количество вещей в стиле андеграунд, столь любимом их поклонниками. Хотя и несколько блеклая в сравнении, эта композиция датируется началом 1967 года, когда группа была на вершине своих импровизационных возможностей.

Странное название этой вещи на самом деле ничего не означает и было выбрано Роджером, поскольку хорошо звучало при выкрикивании в микрофон. «Тос Н» являлось сигнальным кодом для обозначения «Talbot House», клуба сигнальщиков, существовавшего в стоявших во Фландрии союзных войсках во время первой мировой войны и известного тем, что там все были равны невзирая на звания. Позднее это стало названием благотворительного общества.

Take Up Тhу Stethoscope And Walk – первая композиция Роджера Уотерса, которая демонстрирует талант участников группы в джеме. К сожалению, при записи не удалось воспроизвести ее мощное живое звучание. На концертных выступлениях в центральной импровизационной части песни все четверо музыкантов производили безумную бурю звуков, повергавшую аудиторию в шок. Нет поэтому ничего удивительного в том, что Норман Смит решил на записи вовсе убрать центральную часть. Сам Уотерс впоследствии оценивал вещь как «очень плохую».

Interstellar Overdrive - явилась композицией, определившей характер ранней музыки PINК FLOYD. Во время выступлений группы в клубах Marquee и UFO она была гвоздем программы, воспринимаемая как музыкальное выражение психоделического опыта. Своим авангардным дезориентирующим звучанием «Interstel1ar Overdrive» проложила дорогу экспериментам по отказу от привычных музыкальных форм, которые начались в середине 60-х. Группа начала исполнять композицию в апреле 1966 года, однако, ее создание следует отнести к концу 1965-го, когда Сид Баррет активно знакомился с ЛСД. Во время своего второго трипа он испытал устрашающий порыв в глубины космоса, завершившийся его зависанием в пространстве между Юпитером и Венерой, В структуре композиции нашли отражение этапы этого трипа: дезориентация и страх в начале действия вещества, отдание себя на волю порыва, период исследования и, наконец, мягкое погружение в созерцание.

Пожалуй, ни одна из песен раннего PINK FLOYD не иллюстрирует лучше, чем эта, cложившийся в группе дуализм. С одной стороны не признающий никаких правил и ограничений художник Баррет, с другой — исповедующий структурализм архитектор Уотерс, облекающий в форму свободное творчество Сида. «Если бы Сиду дали возможность, – рассказывает Питер Дженнер, – он мог бы играть одну и ту же мелодию всю ночь. Роджер придал вещи форму и динамические рамки, внутри которых Сид мог свободно импровизировать».

Тhе Gnome - написана под влиянием трилогии Толкиена «Властелин колец». Опубликованная в 1954 году, эта книга стала особенно популярной в психоделической атмосфере конца 60-х. В песне вольно описывается путешествие хоббита Фродо, который «пережил большое приключение».

Chapter 24 - основана на образах китайской «Книги Перемен», а именно ее 24-й главы, которая описывает гексаграмму «Возврат». Сид узнал об этой книге благодаря своей любви к китайской игре «го», в которую он часто играл со своей подругой Линдси Корнер. По-видимому, Сид искал в «Книге Перемен» какого-либо объяснения произошедшему в нем душевному сдвигу, причиной которого явились не только опыты с ЛСД, но и неожиданно пришедшая слава.

Тhе Scarecrow - образец нового стиля писания песен, которым Сид овладел к 1965 году, вдохновленный творчеством Эдварда Лира, народными английскими балладами и историями американских блюзменов.

Идея песни, возможна, была заимствована из детской книги Джун Вильсон «Тhе Scarecrow», где рассказывается похожая история, хотя, по мнению Питера Дженнера, не исключено, что Сид поет о самом себе.

Bike - наверное, можно считать попыткой Сида написать любовную песню. Она посвящена его тогдашней подруге Дженни Спайрз. Как и предыдущая, она несет на себе отпечаток стиля Эдварда Лира, когда поэтическим образом становится любой предмет, попавшийся на глаза. Это одна из последних записей Сида, когда он еще мог контролировать себя. По мнению продюсера альбома Нормана Смита, она отражает, «насколько простые вещи были в его мире».

Песня начинается довольно обычно, однако каждый следующий куплет предстает все более и более странным. Также в конце каждого куплета меняется темп. Смит после визита в фонотеку звуковых эффектов на Эбби-роуд потратил три дня на изготовление петель из пленки, чтобы воспроизвести звучание заводных игрушек в конце песни.

[black-rook]

 A Saucerful Of Secrets [/color]



Дата выхода: UK: 29 июня 1968/US: 27 июля 1968
Компания: EMI Records Ltd
Студия: Abbey Road
Продюсер: Norman Smith
Автор обложки: Hipgnosis

Роджер Уотерс: бас, вокал
Дэвид Гилмор: гитара, вокал
Сид Барретт: гитара, вокал
Рик Райт: клавишные, вокал
Ник Мэйсон: ударные

Последний альбом Pink Floyd с участием Сида Барретта и первый альбом группы вместе с Дэвидом Гилмором.

Track List:
[05:38] 01 - Let There Be More Light
[04:33] 02 - Remember A Day
[05:27] 03 - Set The Controls For The Heart Of The Sun
[04:12] 04 - Corporal Clegg
[11:59] 05 - A Saucerful Of Secrets
[04:37] 06 - See-Saw
[03:00] 07 - Jugband Blues

В этом альбоме обозначился переход от по-детски раскрепощенных форм психоделической поп-музыки к более «взрослому» материалу, который станет характерным для последующего стиля группы. В нем также отразилось все то эмоциональное напряжение, через которое должны были пройти музыканты после ухода из группы Сида Баррета и прихода на его место Дейва Гилмора.

В связи с тем, что Сид больше ничего не мог писать, заниматься этим были вынуждены остальные члены группы. Это неизбежно повлекло за собой изменение направления. «То, что интересовало нас в студии, никак не было связано с импровизацией, — вспоминал Ник Мейсон. — Очень быстро обнаружилось, что нашей задачей является тщательная отработка и совершенствование композиций, особенно в первые годы, когда мы работали на четырех дорожках». Вот почему альбом А Saucerful Оf Secrets никогда не задумывался как целостное произведение PINK FLOYD, а, скорее, как сборник того, что осталось от начального периода творчества группы, разбавленный некоторыми новыми вещами.

Let Тhеrе Be Моrе Light - стала первой песней, созданной без участия Сида Баррета. Написанная Уотерсом, она рассказывает о посадке инопланетного корабля на военно-воздушной базе в Милденхолле. Ирония песни заключается в том, что перед ошеломленными военными предстает никто иной, как знаменитая Люси, со времен битловской «Lucy In The Sky With Diamonds» ставшая персонификацией ЛСД.

«Я не большой любитель фантастики, — объяснял Уотерс выбор темы. — Раньше я читал ее много, но теперь только время от времени. Мне кажется, я любил ее за то, что она дает писателю возможность пересмотреть важные понятия. Если ты отрываешь понятие от его привычного контекста, это позволяет взглянуть на него в новом свете».
Джон Картер — персонаж нескольких научно-фантастических романов Эдгара Берроуза.

Remember A Day - плач Рика Райта по безвозвратно ушедшему детству. Райт, детство которого не было омрачено никакими конфликтами, по-видимому, острее других членов группы переживал вступление во взрослую жизнь с ее жесткими правилами игры. Писать песни он начал под влиянием Сида, который считал, что если он может это делать, значит могут и все остальные. Хотя сам Рик позднее оценивал два своих произведения на альбоме как «просто ужасные», ему, наверное, как никому другому в группе удалось подхватить свойственный Сиду мотив оплакивания детской чистоты.

Сиду принадлежит в песне красивая гитарная партия, которая в процессе записи альбома была несколько доработана Гилмором.

Set Тhе Controls For Тhе Heart Of Тhе Sun - была написана специально для альбома и явилась первой по-настоящему удачной композицией Уотерса. Желая доказать Кингу и Дженнеру, что может писать хорошие песни, он работал над ней четыре месяца. Песня основана на повторяющейся мелодии бас-гитары, которую замечательно дополняют цимбалы и перкуссионные эффекты Мейсона, который играет также на ксилофоне, гитарные партии распределены между Барретом и Гилмором, однако записывались они в разное время, так как Дейву было неприятно, что его старый кембриджский друг не узнает его при встрече.

Слова песни были взяты из книги китайских стихов танского периода, которые Уотерс, по его собственному признанию, сократил и переделал, мало заботясь об их смысле, каковой прием, возможно, был заимствован им у Уильяма Берроуза, из романа которого «The Soft Machine» было взято название песни. «Это о неком персонаже, пилотирующем мощную летающую тарелку, которого охватила жажда солнечного самоубийства, и он берет курс на сердце солнца», — так объяснял смысл песни сам Роджер.

Corporal Clegg – первая, несколько ироничная попытка Роджера Уотерса разобраться в гибели своего отца, убитого в 1944 году в Анцио. Впоследствии он будет обращаться к этой теме постоянно. Капрал Клегг вернулся с войны контуженным («он никогда не бывает тем же самым»), и ему кажется, что за свои страдания он достоин медали. Прообразом капрала Клегга, возможно, послужил герой фильма ужасов «Night Creatures» капитан Клегг.

Это последняя из записей группы, в которой принял участие Баррет. Как и в случае с «Set The Controls...», он в начале записал свою выразительную гитарную партию, которая позднее была доработана Гилмором. Песня была записана в качестве шутки и первоначально предназначалась для второй стороны какого-нибудь сингла. При внимательном прослушивании можно услышать в конце песни хохот музыкантов. Последний припев завершается звуками, которые могла бы производить группа умалишенных, играющих на детских духовых инструментах, на которые накладываются различные звуковые эффекты, изображающие войну.

A Saucerful Оf Secrets - отражает растущий интерес группы к более прогрессивной и структурированной музыке. Эта композиция была в буквальном смысле выторгована музыкантами у руководства EMI, которому были нужны потенциальные хиты и как можно меньше психоделии. Члены группы согласились привнести в альбом немного «попсы» в обмен на разрешение записать одну композицию без всякого вмешательства со стороны персонала компании. «A Saucerful Of Secrets» представляет собой первую попытку PINK FLOYD освободиться от духа Баррета и обрести новую музыкальную индивидуальность. Композиция состоит из трех отдельных частей, переходящих одна в другую, каковой прием будет развит на последующих альбомах. Своей формой вещь обязана в основном структуралистским тенденциям Уотерса, который даже начертил на миллиметровке график, изображавший ее динамику.

Что же касается темы пьесы, то ей является война. По словам Гилмора, «...первая часть — это напряжение, наращивание сил, страх. Центральная часть со всем этим шумом и грохотом — это собственно война. Заключение — это своего рода реквием». Композиция имеет резкий финал, поскольку необходимо было уложиться в отведенные EMI двенадцать минут.

See-Saw - песня Райта, по общему мнению членов группы, наиболее скучная на альбоме. «Слова — ужасные.. Но это был важный урок.. Я понял, что я не поэт», — вспоминал позднее сам Рик. В качестве лирической модели для этой вещи, по-видимому, послужила «Lucy In The Sky With Diamonds» с ее сюрреалистической образностью и грезоподобными фантазиями.

Совершенно неожиданно эта невинная вещь вызвала дискуссию при выходе альбома. Кое-кому показалось, что в песне речь идет об инцесте, сексе и наркотиках, что категорически отвергалось автором, который настаивал, что просто хотел воскресить в памяти воспоминания детства, когда они с сестрой вместе играли в саду перед домом.

Jugband Blues - горькое завершение альбома и карьеры Баррета в качестве лидера группы. Сама песня была написана задолго до начала работы над альбомом, когда Сид начал погружаться в свое шизофреническое уединение. В краткий момент ясности ему удалось запечатлеть всю мучительность своего ухудшающегося душевного состояния.

Песня записывалась в два приема: сначала всей группой вместе, потом только Сидом с акустической гитарой. В середине песни играет оркестр Армии Спасения Северного Лондона, который записывался в это время на Эбби-роуд, и, услышав который, Сид решил, что ему необходима духовая секция. Баррет настаивал, чтобы музыканты играли что угодно, не слыша остальной музыки, однако с этим не был согласен Норман Смит. Наконец Смит согласился сделать две версии, однако к этому времени уставший от препирательств Сид покинул студию, оставив Смита заканчивать запись по собственному усмотрению.

[black-rook]

 More [/color]



Музыка из фильма More (режиссер Барбет Шредер), написанная и исполненная группой Pink Floyd.

В фильме звучали композиции Seabirds и Hollywood, которые не вошли в альбом.

Дата выхода: 27 июля 1969 года
Студия: Abbey Road
Продюсер: Pink Floyd
Автор обложки: Hipgnosis

Дэвид Гилмор: гитара, вокал
Роджер Уотерс: бас, вокал
Рик Райт: клавишные, вокал
Ник Мэйсон: ударные

Track List:
[05:18] 01 - Cirrus Minor
[03:26] 02 - The Nile Song
[03:33] 03 - Crying Song
[02:12] 04 - Up The Khyber
[02:58] 05 - Green Is The Colour
[04:50] 06 - Cymbaline
[01:07] 07 - Party Sequence
[05:28] 08 - Main Theme
[03:19] 09 - Ibiza Bar
[02:12] 10 - More Blues
[07:13] 11 - Quicksilver
[01:05] 12 - A Spanish Piece
[02:15] 13 - Dramatic Theme

Фильм «More» был нравоучительной историей для хиппи, в которой проводилось различие между «хорошими» и «плохими» наркотиками на фоне роковой любви. Члены группы считали, что в фильме правильно показаны некоторые аспекты молодежной культуры того времени, на примере Сида Баррета узнав, к чему может привести злоупотребление наркотиками. Хотя сами музыканты не относили этот альбом к числу своих удач, считая его слабым и поспешным, тем не менее, некоторые песни с него исполнялись на концертах в продолжение следующих нескольких лет. Важно также и то, что группа получила возможность поэкспериментировать в студии с собственными идеями, а в лирике Уотерса наметились темы, которые будут характеризовать творчество группы уже в 70-е годы.

Cirrus Minor - отражает состояние Штефана после употребления им героина и марихуаны. Хотя сам Уотерс никогда не пробовал героин, о его действии ему подробно рассказывал Баррет.

Как и BEATLES, PINK FLOYD были пионерами использования в записях звуковых эффектов, библиотека которых находилась неподалеку от студий, где записывались те и другие.

The Nile Song - представляет собой первую попытку группы в стиле хэви-метал и явилась результатом ночного джема в студии. Это классическая сказка о русалках, завлекающих и топящих неосторожных мужчин. Исполняемая во время первой встречи Штефана и Эстеллы, эта песня должна была, по мысли режиссера, служить указанием на роковой характер их связи.

Crying Song - звучит в фильме на магнитофоне в комнате Эстеллы в городе Ибисе. Она призвана отразить состояние Штефана, который, чтобы спасти Эстеллу, соглашается вместо нее стать подручным наркодилера доктора Вольфа. Таким образом он смиряется со своей судьбой раба любви. В словах песни это находит выражение в намеке на «сизифов труд» («помоги мне откатить камень»), каковым является подобное предприятие.

Up The Khyber (Juke Box) - звучит в фильме сразу вслед за предыдущей, когда Штефан переворачивает ленту. Быстрые залпы ударных, на которые накладываются демонические, реверберированные удары Райта по клавишам, сопровождают сцену, когда Штефан обнаруживает, что Эстела продолжает колоться героином. Свободная джазовая композиция сильно напоминает первые опыты группы в 1966 году. Хайберский перевал — труднодоступный горный участок, соединяющий Афганистан и Пакистан, часто использовавшийся для транспортировки героина. Выражение «Khyber pass» также имеет в лондонском рифмованном сленге «кокни» значение «задница». Так что название песни вполне можно перевести как «Вверх по заднице».

Green Is the Colour - исполняется на фоне идиллической сцены, когда Штефан и Эстелла бродят обнаженные на лоне природы, курят гашиш и предаются любви. Потом она повторяется еще раз, когда Штефан узнает, что до него Эстелла уже погубила двоих мужчин.

Здесь Уотерс впервые пользуется образами солнечного и лунного света для обозначения доброй и злой сторон человеческой души. Штефан видит доброе в Эстелле, но понимает, что ее красота, идеализм и доброта будут, в конце концов, скрыты ее темной стороной. В дальнейшем эта тема будет подробно развита в Dark Side Of The Moon.

Cymbaline - по признанию Уотерса, была написана после ночного кошмара, который он испытал незадолго до начала работы над альбомом, и первоначально являлась под названием «Nightmare» частью сюиты «The Man». В отсутствии Баррета Роджер фактически остался во главе группы, и это новое положение со всей его ответственностью легло на него тяжким грузом.

Доктор Стрейндж – герой комиксов, пользовавшийся особенной популярностью в психоделической тусовке, который обладал способностью изменять свою внешность и переноситься в другие измерения. Что же касается названия песни, то, возможно, оно имеет какое-то отношение к пьесе Шекспира «Cymbeline», хотя непонятно, какое именно.

Party Sequence - исполняется на вечеринке, в первый день пребывания Штефана на Ибисе, где он пьет, курит марихуану и ревнует Эстеллу к владельцу отеля доктору Вольфу, с которым она спит. В отчаянии он бьет девушку, однако потом они мирятся, и дело кончается постелью.

Это самая короткая композиция из всего записанного группой материала. Простая мелодия, исполняемая на тростниковой флейте неизвестным музыкантом, наложена на энергичные удары бонгов Мейсона. В фильме композиция исполняется группой оборванных и обкуренных хиппи.

Main Theme - впервые исполняется в фильме, когда идут начальные титры. Она также коротко повторяется ближе к концу фильма, когда Штефану становится совершенно очевидно, что он зашел в тупик.

Эта минорная импровизация напоминает ранние импрессионистские композиции группы вроде «А Saucerful Of Secrets». В качестве короткой инструментальной пьесы она исполнялась на концертах до 1970 года.

Ibiza Bar - по сути, является репризой «The Nile Song». Это вторая по счету композиция, звучащая в фильме. Она играет в одном из парижских баров, где Штефан встречает своего плутоватого, однако опытного приятеля Чарли.

More Blues - представляет собой короткую электронно-блюзовую пьесу, которая, кажется, так и не получила нормального развития. Но это было сделано вполне сознательно.

В фильме композиция исполняется вслед за эпизодом с похищением Эстеллы людьми Вольфа, которые требуют от нее вернуть украденный героин. Единственной альтернативой является тюрьма, поэтому Штефан с девушкой возвращаются в город, где он вынужден работать в баре отеля и торговать наркотиками, чтобы расплатиться с долгом.

Quicksilver (Water-Pipe) - многими считается лучшей вещью на альбоме. Этот тщательно отработанный импрессионистский звуковой коллаж напоминает эпохальное выступление «Games For May» в Queen Elizabeth Hall в мае 1967 года. Начинаясь со звука, который Райт производит, водя пальцами по струнам рояля, запись затем ускоряется и замедляется вручную. Эта невероятно тревожная часть плавно переходит в эпическую импровизацию, характерную для музыки PINK FLOYD этого времени.

Ударами гонга, звуками виброфона и другими эффектами композиция призвана передать состояние Штефана и Эстеллы, которые в своем летнем коттедже курят марихуану через кальян. Эстелла также убеждает Штефана попробовать героин. Песня звучит в фильме еще раз во время их трипа под ЛСД. Элементы этой композиции создали основу для пьесы «Sleep», являющейся частью сюиты «The Man».

A Spanish Piece - сольное произведение Гилмора, в котором он демонстрирует хорошее знание испанского стиля «фламенко». Шредер сказал музыкантам, что ему необходима музыка, которая по сюжету должна доноситься из приемника во время сцены в баре. Дейв настолько вжился в роль, что даже попытался произнести в середине композиции какие-то фразы на испанском.

Вопреки первоначальному замыслу Шредера эта пьеса сопровождает в фильме сцену в вестибюле отеля доктора Вольфа, где прибывший на Ибису Штефан пытается найти Эстеллу и, в итоге, обнаруживает ее в комнате Вольфа.

Dramatic Theme - представляет собой вариацию «Main Theme». В фильме она сопровождает сцену, когда Эстелла долго не возвращается домой, и Штефан, чтобы унять свою ревность, решает вновь прибегнуть к героину, от которого пара отказалась после «ЛСД-терапии». Этот момент слабости знаменует собой начала конца для Штефана.

[black-rook]

 Ummagumma [/color]



Дата выхода: UK: 25 октября 1969/US: 10 ноября 1969
Компания: EMI Records Ltd
Звукорежиссер: Peter Mew, Brian Humphries
Продюсер: Norman Smith, Pink Floyd
Автор обложки: Hipgnosis

Дэвид Гилмор: гитара, вокал
Роджер Уотерс: бас, вокал
Рик Райт: клавишные
Ник Мэйсон: ударные

Концертный альбом:
[08:29] 01 - Astronomy Domine
[08:50] 02 - Careful With That Axe, Eugene
[09:12] 03 - Set The Controls For The Heart Of The Sun
[12:48] 04 - A Saucerful Of Secrets

Студийный альбом:
[01:08] 01 - Sysyphus Part 1
[03:24] 02 - Sysyphus Part 2
[01:47] 03 - Sysyphus Part 3
[06:55] 04 - Sysyphus Part 4
[07:26] 05 - Grantchester Meadows
[04:56] 06 - Several Species Of Small Furry Animals Gathered Together In A Cave And Grooving With A Pict
[03:27] 07 - The Narrow Way Part 1
[02:53] 08 - The Narrow Way Part 2
[05:53] 09 - The Narrow Way Part 3
[01:00] 10 - The Grand Vizier's Garden Party (Entrance)
[07:06] 11 - The Grand Vizier's Garden Party (Entertainment)
[00:38] 12 - The Grand Vizier's Garden Party (Exit)

Этот наполовину концертный, наполовину студийно-экспериментальный альбом был призван подвести черту под одним этапом работы группы и открыть другой. Его первая часть была записана на двух концертах в апреле и мае 1969 года, а вторая представляет собой сольные эксперименты членов группы. Слово ummagumma означает на кембриджском школьном слэнге «заниматься сексом» и было выбрано в качестве названия просто потому, что хорошо звучит.

Astronomy Domine (S. Barrett) - в этой версии считается многими поклонниками группы классической. Она показывает, что Гилмор, как и Баррет, является сторонником экспериментов с гитарным звуком, Дейв не раз утверждал, что именно он научил Сида приемам игры, которые впоследствии стали его фирменным саундом. Нельзя не признать, что, хотя и более тяжелая и структурированная, эта версия является более завершенной, чем барретовская.

Careful With That Axe, Eugene (R. Waters — R. Wright — N. Mason — D. Gilmour) - до этого можно было услышать лишь на второй стороне сингла «Point Me At The Sky», вышедшего в декабре 1968 года. Исполнявшаяся с конца марта 1968 года, эта композиция задумывалась как часть звукового сопровождения фильма Питера Сайкса «The Committee», однако не попала в фильм. После этого композиция продолжала развиваться, становясь все более тяжелой и мрачной, однако и более динамичной. Что касается названия, то имя Юджин встречается в вещи «Point Me At The Sky». По словам Уотерса, композиция отражает взрыв долго сдерживаемой агрессии, которая принимает маниакальные, кровавые формы.

Set The Controls For The Heart Of The Sun (R. Waters) - отличается от оригинальной версии более мощным звучанием ударных Мейсона. Развернутая инструментальная часть перед третьим куплетом включает в себя эксперименты Гилмора с «фидбэком». Добавлен также органный проигрыш Райта в восточном стиле.

A Saucerful Of Secrets (R. Waters — R. Wright — N. Mason — D. Gilmour) - в новой версии разделена на четыре части, каждая из которых имеет собственное название: 1) «Something Else», 2) «Syncopated Pandemonium», 3) «Storm Signal», 4) «Celestial Voices». Это «сборная» версия, первая часть которой была взята с выступления в «Mothers Club» 27 апреля 1969 года, а вторая с концерта в Манчестере 2 мая.

Sysyphus (R. Wright) - представляет собой музыкальный рассказ о судьбе мифического царя Коринфа, который был жестоко наказан богами за пленение бога смерти Таната. (Таким образом Сизиф хотел избежать смерти). В подземном царстве он должен был закатывать на гору тяжелый камень, который тут же скатывался вниз.

В первой части, повествующей о сошествии Сизифа в преисподнюю, мрачное и величественное звучание оркестра, созданное с помощью меллотрона, уступает место джазовому фортепиано, которое, по признанию Райта, было его первой любовью в музыке.

Вторая часть несет на себе отчетливый отпечаток музыки Штокхаузена и Джона Кейджа, с творчеством которых Райт познакомился, учась в Гилдхоллской музыкальной школе в Лондоне.

Третья часть — целиком экспериментальная и представляет собой смесь звуков меллотрона, органа «Фарфиса», пенья птиц, гонгов и гитары, на которой Рик играл единственный раз.

В четвертой части после органного вступления повторяется фортепианный мотив из первой части, таким образом завершая пьесу.

Впоследствии Райт утверждал, что эта пьеса помогла ему прояснить его отношение к собственной музыке. С этого времени его композиции стали проще и более эмоционально насыщенными.

Grantchester Meadows - написана Уотерсом под влиянием Руперта Брука, жившего в Кембридже, неподалеку от Грантчестерских лугов, ранние пасторальные стихи которого Роджер учил в школе.

В конце песни можно услышать жужжание пчелы или мухи, потом звук шагов и неистовых попыток прихлопнуть несчастное создание. Шаги записывались в студии, для чего Сторм Торгерсон, автор дизайна многих альбомов группы, ходил вверх-вниз по лестнице в деревянных башмаках. Эта запись стала одной из легенд психоделической музыки, когда в начале 70-х появились наушники.

Several Species Of Small Furry Animals Gathered Together In A Cave And Grooving With A Pict (R. Waters) - одна из самых необычных вещей группы. Она отражает популярные в то время эксперименты со звуками «животных», большинство из которых создавалось путем проигрывания ленты с различной скоростью в разных направлениях.

Что же касается монолога пикта (пикты — древнее племя), который с не всегда убедительным шотландским акцентом произносит Уотерс, то он, по-видимому, пародирует стиль знаменитого шотландского поэта Роберта Бернса.

The Narrow Way - была написана Гилмором и предназначалась первоначально для включения в сюиту «The Man», однако потом он переработал ее для включения в свою часть соло-альбома за неимением ничего лучшего. Здесь Дейв впервые столкнулся с проблемой написания слов. Потерпев, как ему казалось, неудачу, он прямо из студии позвонил Уотерсу и попросил помощи, однако получил отказ. В конце концов песня все-таки была записана так, как Дейв написал ее первоначально.

The Grand Vizier's Garden Party (N. Mason) - представляет собой экспериментальный музыкальный коллаж Ника Мейсона, которому помогает его тогдашняя жена, профессиональная флейтистка Линди. Мейсон живо интересовался авангардом, регулярно посещая концерты таких экспериментальных групп, как JOE BYRD и WHITE NOISE.

[black-rook]

 Atom Heart Mother [/color]



Дата выхода: 10 октября 1970
Компания: EMI Records Ltd
Студия: Abbey Road
Продюсер: Pink Floyd, Norman Smith
Звукорежиссер: Peter Bown, Alan Parsons
Автор обложки: Hipgnosis

Дэвид Гилмор: гитара, вокал
Рик Райт: клавишные, вокал
Роджер Уотерс: бас, вокал
Ник Мэйсон: ударные
John Aldiss Choir: вокал

Track List:
[23:44] 01 - Atom Heart Mother
[04:30] 02 - If
[05:29] 03 - Summer '68
[05:22] 04 - Fat Old Sun
[13:00] 05 - Alan's Psychedelic Breakfast

Этот альбом не содержит в себе ни концепции, ни фокусной точки. Появившись в то время, когда рок-музыка в целом стремилась вырваться из объятий своего затянувшегося отрочества к чему-то более серьезному, он отражает те изменения, которые произошли в это время в британском роке, и обозначает переход PINK FLOYD от психоделического «спейс-рока» (термин, к которому они всегда питали отвращение) к року прогрессивному. Представляя собой скорее набор разрозненных идей, чем целостное произведение, этот альбом, тем не менее, явился заметной вехой в развитии группы, наметив методы и подходы, которые станут определяющими на Dark Side Of The Moon.

Название альбома происходит от вошедшей в него одноименной композиции, каковое, в свою очередь, появилось совершенно случайно. Когда во время записи для Би-Би-Си, которая должна была стать премьерой альбома, понадобилось название для первой композиции, музыканты решили, что рабочие названия вроде «Untitled Epic» или «The Amazing Pudding» являются слишком «легкомысленными» и в перерыве отправились в ближайший паб за новыми идеями. Там Рон Гизин предложил заглянуть в «Daily Mail» и выбрать оттуда подходящий заголовок. На одной из внутренних полос Ник Мейсон обнаружил статью о беременной женщине, которой был вживлен атомный ритмоводитель сердца. Заголовок статьи и стал названием композиции и альбома в целом.

Atom Heart Mother - основная тема сюиты, занимающей целую сторону альбома, была написана Гилмором в ноябре 1969 года, когда группа решила, что для предстоящего тура им нужна новая композиция. Тема была развернута в пьесу, которую группа назвала «Untitled Epic». Идеи вносились самыми разными людьми, пока не получилось пять отдельных частей, объединенных основной темой, которая велась гитарой Гилмора или фортепиано Райта. Композиция впервые была исполнена 18 января 1970 года в Croydon Town Hall под названием «The Amazing Pudding» (поскольку она представляла собой что-то вроде пудинга из различных идей), В конце февраля группа приступила к записи пьесы, при этом были добавлены новые фрагменты, а некоторые из старых забракованы. Однако, когда в конце апреля процесс был завершен, обнаружилось, что несмотря на все многочисленные наложения гитар и клавишных пьеса не звучит. Группе предстоял американский тур, поэтому времени для перезаписи не было. Именно тогда и появился Рон Гизин, предложивший оркестровать композицию. В результате получилась многоплановая оркестровая пьеса, имеющая собственные внутренние мелодии и лейтмотивы, однако сохранившая в качестве контрапунктов первоначальные темы.

If - наверное, самая искренняя песня Уотерса, в которой он выражает сожаление по поводу некоторых черт своего характера, причиняющих боль окружающим. Возможно, это одна из первых попыток Роджера разобраться с тем чувством вины, которое оставил в нем уход Баррета из группы. Именно Уотерс взял тогда на себя инициативу и сообщил Сиду, что группа в нем больше не нуждается.

Summer '68 - написана Райтом и разрабатывает его любимую тему — жизнь члена популярной рок-группы, отражая растущее разочарование в этой жизни. События, о которых рассказано в песне, действительно имели место во время американского тура группы летом 1968 года. «Группиз были повсюду, — вспоминал позднее Райт, — Они приходили и обслуживали тебя как прислуга, стирали тебе, спали с тобой, а потом оставляли тебя с трепаком». К этому времени Райт был уже три года женат на своей старой подруге Джульет Гейл, и песню вполне можно рассматривать как признание.

Это единственная из написанных Райтом песен, слова которой нравились ему самому, так как он считал, что в них ему удалось выразить то, что он действительно чувствовал.

Fat Old Sun - написана Гилмором под влиянием «Grantchester Meadows» Уотерса и является его собственным обращением к безоблачному детству. Как и большинство последующих песен Дейва, она описывает вступление из идиллического мира детства в жестокий мир взрослых. Символом этого перехода является заходящее солнце, которое будет еще не раз появляться в лирике Гилмора 80-90-х годов.

Некоторые комментаторы указывали, что и слова, и мелодия песни сильно смахивают на вещь THE KINKS «Lazy Old Sun». Гилмор признавался, что слышал ее и, возможно, неосознанно испытал ее влияние.

Alan's Psychedelic Breakfast - отражает интерес группы к «конкретной музыке», пробудившийся еще в период работы с Барретом. Так на одном из выступлений в Лондоне осенью 1967 года во время исполнения «Interstellar Overdrive» Сид неожиданно положил гитару на пол и удалился со сцены. Он вернулся через несколько минут с походной плиткой, сел на стул и стал жарить себе яичницу. В момент шального вдохновения он поднес микрофон к шипящей и булькающей сковороде, привнеся новый элемент в психоделический водоворот звуков. Композиция записывалась на кухне у Ника Мейсона, где дорожный менеджер группы Алан Стайлз, который обычно во время туров кормил музыкантов завтраком, готовил себе еду. Впоследствии композиция была разбита на три части: 1) «Rise And Shine», 2) «Sunny Side Up» и 3) «Morning Glory». На фоне музыки слышно, как Стайлз готовит завтрак, одновременно комментируя свои действия, потом ест его, отпуская шутки по поводу макробиотической пищи в Лос-Анджелесе. Композиция завершается звуком мытья посуды и звуком падающих капель из плохо закрытого крана.

[black-rook]

 Meddle [/color]



Дата выхода: UK: 30 октября 1971/US: 13 ноября 1971
Компания: EMI Records Ltd
Студия:AIR Studios, Abbey Road, Morgan Sound
Звукорежиссер:Peter Bown, John Leckie (AIR/EMI), Rob Black, Roger Quested (Morgan)
Продюсер: Pink Floyd
Автор обложки: Hipgnosis

Дэвид Гилмор: гитара, вокал
Рик Райт: клавишные, вокал
Роджер Уотерс: бас, вокал
Ник Мэйсон: ударные

Track List:
[05:58] 01 - One of These Days
[05:11] 02 - A Pillow of Winds
[06:09] 03 - Fearless
[03:44] 04 - San Tropez
[02:16] 05 - Seamus
[23:31] 06 - Echoes

Этот альбом знаменует собой начало наиболее продуктивного и новаторского периода в жизни группы. Здесь впервые оказывается уравновешенным фирменный саунд PINK FLOYD, основой которого стал тандем Уотерс-Гилмор.

Уже больше не рассматриваемый как новичок, Гилмор становится ведущим музыкантом группы, в то время как Уотерс, поначалу занимавшийся  поэтическим творчеством вынужденно, в связи с уходом Баррета, начинает преодолевать детски-пасторальный характер своей ранней лирики, в результате чего она становится более глубокой и вырази-, тельной. Название альбома было придумано во время тура в Японию, и представляет собой, по словам Гилмора, игру слов между «medal» (медаль) и «to meddle» (вмешиваться), иначе говоря, «медаль за вмешательство».

One Of These Days - появилась в результате эксперимента, когда Уотерс решил подключить свою бас-гитару к принадлежащему Гилмору эхо-эффекту «Бинсон». Дейв затем продублировал рифф Роджера, и оба трэка были разведены по разным концам стереоспектра.

Единственная фраза этой песни принадлежит Нику Мейсону, голос которого был замедлен и пропущен через гитарный усилитель с искажениями. Человек же, которого группа собиралась разрезать на мелкие кусочки, был никто иной, как добрейший, неунывающий ди-джей с Радио-2 Би-Би-Си Джимми Янг. Дело в том, что однажды Уотерс сделал для шоу PINK FLOYD коллаж из программ Джимми Янга для «старичков», разрезав пленку с записями на куски и затем соединив их в один сюрреалистический монолог.

A Pillow Of Wind - появилась на альбоме как противовес мощной первой композиции, после которой, как считали музыканты, слушателю надо было немного отдохнуть. Этому способствует красивая, умиротворяющая, хотя и несколько бессвязная лирика в духе Руперта Брука.

Fearless - во многом обязана своим звучанием Сиду Баррету. Он имел обыкновение специально расстраивать свою гитару в поисках интересных звучаний. Однажды он показал Роджеру особый способ настройки (соль-соль-ре-соль-сиси), который лег в основу звучания этой песни.

Гимн ливерпульских футбольных болельщиков «You'll Never Walk Alone», звучащий в конце песни, был записан прямо на стадионе во время матча.

San Tropez - представляет собой циничную карикатуру Уотерса на самого себя, показывающую, насколько хорошо социалистические идеалы уживаются в нем с замашками богатой рок-звезды. Некоторые, впрочем, полагают, что наиболее туманные места песни относятся к первому опыту Роджера с ЛСД, который он предпринял в Греции вместе с кембриджским другом Найджелом Гордоном.

Seamus - появилась на свет в результате шутки. Собака принадлежала Стиву Мэрриоту, игравшему в SMALL FACES и HUMBLE PIE, который научил пса выть, как только тот услышит блюз. В студию Симаса привел Дейв Гилмор, друзья которого присматривали за собакой, пока хозяин был в туре. К этому времени музыканты уже были сильно обкурены. Когда Гилмор начал импровизировать что-то блюзовое, пес стал скулить и выть, что вызвало у присутствующих истерический хохот и призывы к инженеру Джону Лекки немедленно включить запись.

Echoes - самая длинная и сложная композиция группы, которую многие считают также самой лучшей из всего записанного PINK FLOYD. На создание такой большой композиции музыкантов вдохновил фолк и рок-певец Рой Харпер, являвшийся в то время для членов группы непререкаемым авторитетом. После того как Харпер выпустил диск Life-mask, на котором одна из композиций занимала целую сторону, они решили, что могут поступить также. За три трехдневных сессии в студии музыканты записали тридцать шесть фрагментов, первым из которых стал знаменитый «свист сонара», случайно получившийся при подключении фортепиано Райта к усилителю с системой «Лесли».

Первоначально называвшаяся «Return Of The Son Of Nothing», композиция имела совсем другие слова, в которых доминировала научно-фантастическая тема, однако уже перед записью вокала Уотерс решил переписать их заново, стремясь усилить гуманистическое звучание песни. По его собственному мнению, слова «Echoes» предвосхищают дальнейшую разработку им темы отчуждения и враждебных свободе сил. В словах песни содержится указание на борьбу с авторитетами, которые всегда знают «куда и зачем», и на проблемы, возникающие в ходе утверждения независимости собственной личности. Именно в этот период своей жизни Роджер начал понимать, что каждый должен сам позаботиться о своей судьбе, чтобы иметь возможность двигаться в желаемом направлении.

[black-rook]

 Obscured By Clouds [/color]



Музыка Pink Floyd из фильма La Vallée (режиссер Барбет Шредер).

Дата выхода: UK: 3 июня 1972/US: 5 июня 1972
Компания: EMI Records Ltd
Студия: Chateau d'Herouville
Продюсер: Pink Floyd
Автор обложки: Hipgnosis

Дэвид Гилмор: гитара, вокал
Рик Райт: клавишные, вокал
Роджер Уотерс: бас, вокал
Ник Мэйсон: ударные

Track List:
[03:05] 01 - Obscured By Clouds
[02:31] 02 - When You're In
[03:30] 03 - Burning Bridges
[03:08] 04 - The Gold It's In The ...
[05:09] 05 - Wot's ... Uh The Deal
[04:18] 06 - Mudmen
[04:33] 07 - Childhood's End
[04:16] 08 - Free Four
[04:07] 09 - Stay
[05:51] 10 - Absolutely Curtains

Темой фильма «La Vallee», также посвященного жизни хиппи, в качестве саундтрэка к которому записывался альбом, был поиск просветления на лоне дикой природы, в одной из затерянных долин Новой Гвинеи, к которой, собственно, и относится название альбома.

При работе над этим альбомом у членов группы было гораздо больше уверенности, чем при работе над More, Им была предоставлена возможность записываться и экспериментировать в течение двух недель на 16-дорожечной студии Chateau d'Herouville под Парижем, где записали свои наиболее известные альбомы Элтон Джон и Марк Болан. Не случайно, по-видимому, ряд композиций альбома несут на себе отпечаток глэм-рока, популярного в то время в Англии.

Obscured By Clouds (R. Waters — D. Gilmour) - исполняется в начале и конце фильма. В основе композиции лежит пульсирующее гудение синтезатора, на котором играет Гилмор, и сухой, короткий звук ударных Мейсона, имитирующий драм-машину Бенсона. Для того времени это был совершенно новый саунд, напоминающий зародившийся в Германии «Krautrock», который исполняли такие группы, как NEU! и ранний KRAFTWERK.

When You're In (R. Waters — D. Gilmour — N. Mason — R. Wright) - первоначально рассматривалась как тяжелый довесок к первой композиции, однако не была включена в фильм. Впрочем, на последующих концертных выступлениях эти две вещи исполнялись вместе. Это классический пример флойдовского джема.

Burning Bridges (R. Wright — R. Waters) - одна из немногих песен, написанных совместно Уотерсом и Райтом. Ее слова представляют собой очередную разработку Роджером темы перехода от детства ко взрослому состоянию.

Действие фильма начинается в Австралии, в магазинчике, торгующем товарами с Новой Гвинеи. Красивая и богатая жена французского посла Вивиан хочет купить редкие птичьи перья, чтобы удивить своих друзей в Париже. Там она знакомится с Оливье, который приехал, чтобы продать собранные им перья. Неосторожно играя с декоративным кинжалом, Вивиан роняет его на ногу Оливье и ранит его. Она сопровождает его в больницу, а потом в его лагерь, чтобы посмотреть перья. Эту сцену и сопровождает песня.

The Gold It's In The... - несет на себе сильный отпечаток глэм-рока. Как и при работе над More, музыканты работали над этим альбомом в условиях дефицита времени и, стремясь успеть вовремя, использовали музыкальные ходы, к которым они бы никогда не прибегли в обычных условиях, мало заботясь при этом о том, насколько это соответствует стилю группы.

Оливье объясняет, что собирается вместе со своим другом Гаэтаном исследовать гористую местность в Папуа-Новой Гвинее, где он купил свои перья у миссионера. Экспедиция планируется к затерянной в горах долине, которая обозначена на картах как «скрытая облаками».

Wot's... Uh, The Deal? - неожиданно ставшая «гвоздем» альбома, несет в себе сильный гуманистический элемент. Музыканты стали старше, обзавелись семьями и все в большей или меньшей степени изменили свое отношение к музыке, которая из хобби превратилась в работу. Ощущение безвозвратного хода времени в большей степени было свойственно Уотерсу, который вспоминал: «В то время у нас было чувство, что мы все стали старше, мы больше не были поп-группой, мы вообще не были ничем».

В фильме песня звучит в сцене, где Оливье отказывается продать свои перья и занимается с Вивиан любовью.

Mudmen (R. Wright — D. Gilmour) - сопровождает в фильме сцену, когда путешественники в поисках перьев посещают одно из диких племен. Шаман племени, которому понравилась Вивиан, не только дает ей перья, но и угощает психоделическим напитком, который пробуждает в ней чувство единства с природой.

Childhood's End - была написана Гилмором и представляет собой его собственную интерпретацию темы взросления. По признанию Дейва, он заимствовал название песни из классического романа Артура Кларка.

В фильме эта песня звучит в сцене, где Вивиан решает присоединиться к пятерым хиппи, намеревающимся совершить экспедицию в сердце Новой Гвинеи.

Free Four - несмотря на бравурную мелодию, представляет собой одну из первых серьезных попыток Уотерса разобраться в смерти своего отца, которого «похоронили, как крота, в окопе». Второй, не менее важной для Уотерса темой, которая нашла отражение в этой песне, является тема успеха и славы и сопутствующих им проблем. Название песни происходит от отсчета «one-two-free-fowah!», используемого жокеями на скачках.

Stay - еще одна песня Райта, посвященная беспорядочной половой жизни гастролирующего музыканта. Ее вполне можно было бы рассматривать как обычную любовную песню, если бы не циничные строчки последнего куплета, где герой даже не пытается вспомнить имя девушки, с которой провел ночь.

Absolutely Curtains (R. Waters — D. Gilmour -N. Mason -R. Wright — The Mapuga Tribe) - отражает новые возможности наложения звуков, которые получили музыканты при работе с 16-дорожечной аппаратурой. В конце композиции можно услышать пение племени мапуга, записанное на Новой Гвинее. Здесь группа явно опережает свое время, предвосхищая пробудившийся значительно позднее интерес к так называемой «этнической музыке».

[black-rook]

 The Dark Side Of The Moon [/color]



Дата выхода: 24 марта 1973
Компания: EMI Records Ltd
Студия: Abbey Road
Звукорежиссер: Alan Parsons
Продюсер: Pink Floyd
Автор обложки: Hipgnosis

Роджер Уотерс: бас, синтезатор VCS3, вокал, звуковые эффекты
Дэвид Гилмор: гитара, синтезатор VCS3, вокал
Рик Райт: клавишные, синтезатор VCS3, вокал
Ник Мэйсон: ударные, звуковые эффекты
Dick Parry: саксофон в Us And Them и Money
Clare Torry: вокал в The Great Gig In The Sky
Doris Troy, Leslie Duncan, Liza Strike, Barry St John: бэк-вокал

[01:08] 01 - Speak To Me
[02:48] 02 - Breathe In The Air
[03:50] 03 - On The Run
[06:49] 04 - Time
[04:44] 05 - The Great Gig In The Sky
[06:22] 06 - Money
[07:49] 07 - Us And Them
[03:26] 08 - Any Colour You Like
[03:46] 09 - Brain Damage
[02:11] 10 - Eclipse

Этот альбом, работа над которым фактически велась со времени выхода A Saucerful Of Secrets, является наиболее завершенным в концептуальном плане произведением группы. Здесь достигнуто превосходное равновесие между поэтическим талантом Уотерса и музыкальным гением Гилмора. После выхода этого альбома ни творчество PINK FLOYD, ни прогрессивный рок в целом уже не могли остаться такими, как были.

В основе концепции альбома лежит утверждение, что современная жизнь является путем к безумию, и индивид должен вести суровую борьбу за сохранение рассудка. Это оказалось настолько созвучным мыслям и опасениям миллионов людей, что альбом продолжают активно покупать и спустя четверть века с момента его появления.
Первый тираж альбома вышел под названием The Dark Side Of The Moon, однако в дальнейшем определенный артикль был опущен.

Speak To Me (N. Mason) - является своего рода увертюрой, включающей в себя фрагменты основных музыкальных тем и звуковых эффектов альбома. Слышные на заднем плане голоса представляют собой ответы на вопросник, составленный группой, основными темами которого являлись смерть, насилие и безумие. Среди интервьюируемых были самые разные люди, находившиеся в студии, включая Пола и Линду Маккартни. В качестве названия композиции были выбраны слова, с которыми звукоинженер Алан Парсонс обращался к опрашиваемым, чтобы настроить уровень записи.

Breathe - отражает разочарование Уотерса бесконечной погоней за успехом. Он находил все более трудным сочетать социалистические убеждения с жизнью преуспевающей рок-звезды. Многие из идей, нашедших отражение в песне, пришли ему в голову во время совместной с Роном Гизином работы над саундтрэком к фильму Тони Гарнета «The Body», первые слова которого стали первой строчкой песни.

On The Run (D. Gilmour — R. Waters) - первоначально называлась «The Travel Sequence» и была задумана Уотерсом как отражение паранойяльного страха перед смертью, конкретнее, перед полетами на самолетах, который был присущ всем членам группы. К концу 1972 года в распоряжении группы оказалось последнее достижение музыкальной технологии, Synthi-A, снабженный секвенсором, позволявшим программировать последовательность звуков, что позволяло создавать живые музыкальные картины. В начале композиции можно услышать, как задыхающийся пассажир торопится успеть на самолет, затем доносится звук взлетающего самолета (гитара Гилмора с искажениями) и, наконец, грохот падения.

Голос, произносящий «сегодня жив, умру завтра, такой вот я», и обкуренный хохот принадлежат технику группы Роджеру-Шляпе и явились его ответом на вопрос: «Боитесь ли вы смерти?» Звук шагов и тяжелого дыхания принадлежат помощнику инженера Питеру Джеймсу, который бегал по студии в тяжелых башмаках, пока в изнеможении не свалился на пол.

Time - в основе лежит озабоченность Уотерса тем, что мы тратим большую часть нашего времени на привычные дела, даже не пытаясь понять, зачем все это нам нужно, и мы оказываемся на грани безумия, когда неожиданно понимаем, что жизнь прожита впустую.

Эти идеи находят свое музыкальное отражение в приглушенном, колеблющемся звуке бас-гитары, напоминающем тиканье часов, и некотором опережении ритма барабанами Мейсона, словно пытающимися за чем-то угнаться. Что касается какафонии часов в начале вещи, то она была записана звукоинженером группы Аланом Парсонсом в квадрофонической технике и впоследствии стала одним из ошеломляющих эффектов концертных выступлений группы.

The Great Gig In The Sky (R. Wright) - первоначально представляла собой фортепианную пьесу, написанную для шоу «Eclipse», которую сопровождало чтение Экклезиаста, чтобы продемонстрировать, как религия может породить безумие. Впоследствии от этого решено было отказаться из страха перед наказанием. Композиция была переориентирована на тему страха Райта перед смертью в авиакатастрофе.

Прослушав композицию после наложения мощного баса, ударных, гитары и органа Хэммонда, Уотерс решил, что во всем этом не хватает стонущего голоса, чтобы выразить боль и экстаз жизни и смерти. Идея пригласить сессионную певицу Клейр Торри принадлежала Алану Парсонсу, который уже работал с ней ранее. «Мы были поражены, — вспоминал Гилмор. — Это было совсем не похоже на PINK FLOYD, напоминало скорее джаз, но от этого захватывало дыхание».

Money - еще один пример неприятия социалистом Уотерсом реалий мира бизнеса. Для него являлось постоянным источником раздражения то, что люди, в особенности американцы, считали, что он пользуется всеми благами, предоставляемыми большими деньгами.

Us And Them - называлась первоначально «The Violent Sequence» и должна была сопровождать в фильме «Zabriskie Point» сцену разгона полицией студентов в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе. Однако песня была отвергнута Антониони как «слишком грустная». Темой песни является извечный конфликт между богатством и бедностью, особенно обострившийся в Лондоне начала 70-х, «Черный и голубой» — имеется в виду противостояние чернокожих и полиции.

Any Colour You Like (D. Gilmour — N. Mason — R.Wright) - представляет собой сознательную уступку музыкантов своему прошлому. Прекрасно понимая, что новый альбом является наиболее структурированным, песенно-ориентированным из всего до этого ими созданного, музыканты решили хотя бы одну композицию выдержать в духе старого доброго джема. Ее названием группа обязана своему дорожному менеджеру Крису Адамсу. Фраза: «Ты можешь получить это любого цвета, какого хочешь», была его обычным ответом, когда его просили сделать что-либо трудновыполнимое или нежелательное. В основу этого выражения легла знаменитая в 20-е годы реклама «форда», который можно было приобрести «любого цвета, если этот цвет — черный».

Brain Damage - первоначально называлась «The Dark Side Of The Moon» и должна была являться завершением сюиты «Eclipse». Написанная в период записи Meddle, она содержит в себе отчетливый намек на Сида Баррета. События, связанные с бывшим лидером группы, вновь вышли на сцену в этот период в связи с решением фирмы EMI выпустить альбом неизданных ранних вещей группы. Музыкантам пришлось, оторвавшись на некоторое время от записи альбома, прослушать весь ранний материал.

Хотя толчком к созданию песни и послужила судьба Сида, Уотерсу хотелось придать ей более общий смысл. «Можно было бы легко сказать, что в основу этой песни легло то, что случилось с Сидом, — объяснял он, — однако, мне кажется, что она скорее о подлинной жизни человека, скрытой за внешним бытием, которое видят остальные. Другими словами, сумасшедший — это мы сами, то, что мы пытаемся удержать внутри. Огромное большинство из нас оставляет попытку войти в контакт с ребенком внутри нас, поскольку взрослый одерживает верх и берет бразды правления в свои руки, а мы слушаемся его указаний».

Eclipse - первоначально было названием сюиты, объединяющей песни альбома вокруг образа луны, затмевающей свет солнца. Через весь альбом проходят образы добра и зла, успеха и неудачи, психического здоровья и безумия, находящие свое отражение в противоположности солнца и луны. «Здесь нет никакой загадки, — объяснял Уотерс. — Имеется в виду, что нам доступно все хорошее в жизни, однако влияние темных сил нашей природы мешает нам насладиться этим».

В конце песни можно услышать, как уборщик студии на Эбби-роуд Джерри Дрискол произносит: «На самом деле, у луны нет темной стороны. В сущности, она вся темная».

[black-rook]

 Wish You Were Here [/color]



Дата выхода: UK: 15 сентября 1975
Компания: EMI Records Ltd
Студия: Abbey Road
Звукорежиссер: Brian Humphries
Продюсер: Pink Floyd
Автор обложки: Hipgnosis

Роджер Уотерс: бас, вокал
Дэвид Гилмор: гитара, вокал
Рик Райт: клавишные
Ник Мэйсон: ударные
Dick Parry: саксофон в Shine On You Crazy Diamond
Roy Harper: вокал в Have A Cigar
Venetta Fields, Carlena Williams: бэк-вокал

Track List:
[13:30] 01 - Shine On You Crazy Diamond (Part One)
[07:26] 02 - Welcome To The Machine
[05:08] 03 - Have A Cigar
[05:40] 04 - Wish You Were Here
[12:22] 05 - Shine On You Crazy Diamond (Part Two)

Несмотря на все трудности, сопутствовавшие созданию альбома, он пополнил собой собрание классики группы. Этот альбом, продолжая предыдущий, утвердил Роджера Уотерса в качестве главного архитектора саунда PINK FLOYD. Именно ему принадлежат концепция альбома, слова всех песен и их базовые мелодии.

В основу концепции альбома легла трагическая судьба Сида Баррета, к которой Уотерс вновь и вновь обращается в своем творчестве, мучимый постоянным чувством вины за фактическое изгнание Сида из группы. «FLOYD не смог бы состояться без Сида, но он не смог бы и двигаться вперед с Сидом, — объяснял Роджер. — Мне нужно было разобраться как можно лучше в собственных чувствах. Альбом Dark Side Of The Moon был о безумии вообще. Wish You Were Here — это личный альбом обо мне, о нас, о Сиде».

Shine On You Crazy Diamond - одновременно воспевает безумие Сида, как апофеоз его творческих возможностей, и оплакивает его уход в шизофреническую изоляцию. Открывающий композицию рифф появился в ходе одной из многочисленных сессий, когда музыканты искали новые идеи, Четыре скорбные гитарные ноты получили рабочее название «Тема Сида». Характерный синтезаторный «наплыв» в начале песни явился еще одним студийным достижением группы. В эпоху, когда не существовало ни сэмплеров, ни цифровых синтезаторов, для создания эффекта синтезаторного оркестра музыкантам пришлось наложить два синтезатора Райта друг на друга.

Уотерс хотел, чтобы слова песни как можно точнее отражали его теперешнее отношение к Баррету, По прошествии времени он стал лучше понимать всю мучительность погружения Сида в безумие, С этим было связано неизбежное чувство вины, поскольку именно он взял на себя инициативу изгнания Сида из группы. Будучи чрезвычайно амбициозным человеком, Роджер был нацелен исключительно на успех. Когда же этот успех пришел, он начал понимать, какова была его цена. Сходные чувства, по-видимому, испытывал и Гилмор. «Я очень грущу о Сиде, — признавался он в одном из интервью. — В течение многих лет я считал, что он представляет угрозу из-за всей этой херни, что была написана о нем и о нас. На самом деле, он был очень важен для нас, и группа никогда бы не смогла начать без него, поскольку им был написан весь первоначальный материал. Она не могла бы состояться без него, но, с другой стороны, нельзя было и продолжать вместе с ним... а он был просто символом крайнего отчуждения, в котором потакают себе некоторые люди, так как это единственный способ, который помогает им выносить весь этот чертов мрак — современную жизнь — И полностью устраниться».

Welcome To The Machine - первоначально называлась «The Machine Song». Ее темой являются взаимоотношения артистов с музыкальным бизнесом, который изображается Уотерсом в виде безжалостной машины, чье присутствие символизируется в песне пульсацией синтезатора. В конце песни индустриальная тема сменяется шумом многолюдного сборища, который, по мысли Роджера, означает «отсутствие контакта и подлинных чувств между людьми».

Have A Cigar - является ироничным и даже циничным изображением нравов и манеры поведения представителей музыкального бизнеса. Интересно, что фраза «Кстати, кто из вас Пинк?» не была придумана Уотерсом, а являлась постоянным вопросом, с которым обращались к участникам группы различные интервьюеры во время американского тура.

Песня исполняется Роем Харпером. Причиной этого явилось то, что Уотерс сильно перетрудил голос при работе над «Shine On...», а Гилмор отказался ее исполнять, так как не одобрял постоянных «причитаний» Роджера по поводу музыкального бизнеса. Впоследствии Уотерс сожалел о своем решении пригласить певца со стороны, считая, что песня получилась «не нашей».

Wish You Were Here - явилась первой песней Уотерса, слова которой были написаны задолго до музыки. Роджер объяснял, что в песне речь идет о проблеме «Джекила и Хайда», о взаимоотношениях с «другой половиной» собственной шизоидной личности. С одной стороны, он ощущал себя гуманистом и социалистом, озабоченным благом других, но с другой, он был эгоистичен, амбициозен и тщеславен. Обращение «Хочу, чтобы ты был здесь» адресовано лучшей половине самого себя, но одновременно является печальным взыванием к Сиду, находящемуся далеко отсюда.

На особо чувствительной аппаратуре можно различить в конце песни несколько пассажей скрипки Стефана Граппелли. Услышав Граппелли во время его записи на Эбби-роуд вместе с Иегуди Менухином, Гилмор решил, что немного скрипки придаст песне элегантность. За гонорар в 300 фунтов скрипач согласился извлечь несколько нот. Однако в процессе сведения звук скрипки оказался настолько тихим, что музыканты решили не упоминать Граппелли в выходных данных, чтобы маэстро не обиделся.

Песня начинается со звука настраиваемого приемника, который случайно ловит несколько аккордов Четвертой симфонии Чайковского.

[black-rook]

 Animals [/color]



Дата выхода: 23 января 1977
Компания: EMI Records Ltd
Студия: Britannia Row Studios
Звукорежиссер: Brian Humphries
Продюсер: Pink Floyd
Автор обложки: Roger Waters

Роджер Уотерс: бас, вокал
Дэвид Гилмор: гитара, вокал
Ник Мэйсон: ударные
Рик Райт: клавишные

Track List:
[01:25] 01 - Pigs On The Wing (Part One)
[17:04] 02 - Dogs
[11:21] 03 - Pigs (Three Different Ones)
[10:23] 04 - Sheep
[01:24] 05 - Pigs On The Wing (Part Two)

Всем поклонникам Pink Floyd прекрасно известна обложка альбома Animals 1977 года. Маленькая розовая свинья (на самом деле совсем не маленькая) пролетает между трубами огромного и мрачного здания электростанции Баттерси. Гигантское зловещее сооружение передает атмосферу альбома – прекрасное подтверждение фразы «Архитектура – это застывшая музыка». Она стала неотъемлемой частью самого гнетущего и жесткого альбома группы.

Альбом отражает те новые черты, которые станут характерными для последующего творчества Уотерса, влияние которого в группе продолжает усиливаться, а именно его обращение ко все более личным темам. «Я старался подтолкнуть группу к более специфической области субъективных материй, все время стремясь к большей прямоте, -объяснял Роджер в одном из интервью. — Образно говоря, я пытался избавиться от клякс... оставляя вам для интерпретаций совсем немного».

Когда запись началась, концепции альбома еще не существовало. Лишь в ходе работы Уотерсу пришло в голову, что существующие музыкальные части могут быть объединены образами свиней, собак и овец, аллегорически изображающими различные типы людей, которые Роджер наблюдал в обществе. Эпиграфом к альбому стала знаменитая цитата из книги Джорджа Оруэлла «Скотный двор»: «Все животные равны, но некоторые более равны, чем другие», и фактически эта прекрасная социальная пародия стала системой координат для лирики альбома. Согласно зооморфному социально-политическому устройству Уотерса, все люди разделяются на собак, свиней и овец.

Собаки — это «корпоративные соглашатели», коварные и агрессивные хищники, живущие стаями, без раздумий рвущие других на части, если это необходимо для их благополучия.

Свиньи — ловкие моралисты и тираны, которые, несмотря на свой страх перед неизвестным, часто занимают высокие посты и учат жить других — овец.

Эти последние — пассивные и покорные последователи, иначе говоря, обычные люди, эксплуатируемые собаками и свиньями. Они остаются в рабстве, пока не восстанут против своих угнетателей, лишь для того, чтобы попасть в другую кабалу.

Это первый альбом группы, где музыка отступает на второй план, становясь лишь своего рода аккомпанементом для идей Уотерса.

Pigs On The Wing - начинающая и завершающая альбом, представляет собой любовную песню, написанную Уотерсом для своей новой жены, аристократки Кэролайн Кристи, которая, по словам Роджера, помогла ему самому не превратиться в свинью. Он признавал, что без этих оптимистических прелюдии и финала альбом мог бы показаться одним долгим «криком ярости».

Dogs - имела своей предшественницей вещь «You Got To Be Crazy», которая исполнялась группой на концертах в июле и августе 1974 года. Это исполненное сарказма описание «крутых парней», для которых каждый является потенциальной жертвой. Однако в конце их ждет одинокая смерть, подводящая итог бессмысленной жизни.
Образ камня, своим весом увлекающего человека на дно, является одним из наиболее значимых в лирике Уотерса. Это символ всего негативного в человеке, мешающего ему наслаждаться жизнью и препятствующего духовному развитию. Возможно, последняя часть песни была написана под влиянием стихотворения Аллена Гинзберга «Howl», где каждая строка начинается со слова «кто».

Pigs - описывает три разных вида свиней или, согласно Уотерсу, людей, которые хотят убедить всех остальных, что у них есть готовые ответы на все вопросы жизни, В песне они предстают как «шарады», у которых за чувством морального превосходства скрывается глубокий страх перед жизнью. Сначала мы встречаемся с «деловой свиньей». Затем перед нами предстает «грымза с автобусной остановки», прототип которой Уотерс действительно увидел на автобусной остановке на Айлингтон-Хай-стрит, хотя некоторые утверждают, что это один из первых намеков на Маргарет Тэтчер, которая тогда лишь начинала свой путь к руководству консервативной партией.

Лишь в третьем куплете Уотерс позволяет себе явное указание. Речь идет о Мэри Уайтхауз, возглавлявшей Национальную ассоциацию зрителей и слушателей, которая выступала за жесткую цензуру на радио и телевидении. К Уайтхауз у группы были старые счеты, так как она еще в 1967 году обличала PINK FLOYD как защитников ЛСД, сексуальной свободы и гедонизма. Уотерс долго колебался, прежде чем включил в песню это недвусмысленное указание, однако все решило бесконечное появление Уайтхауз на экранах телевизоров в 1976 году.

Sheep - восходит к вещи «Raving And Drooling», во время исполнения которой использовался вольный монтаж из передач ди-джея Радио-2 Би-Би-Си Джимми Янга в качестве человека, который действительно «несет околесицу».

Позднее, когда были написаны новые слова, песня предстала как своего рода краткое изложение «Скотного двора», где послушно ведомые на убой животные осознают свое положение и поднимают бунт. Эта идея нашла свое отражение в искусной пародии на 22-й псалом, которая произносится в середине песни через «вокодер» одним из анонимных дорожных менеджеров группы. Впоследствии Уотерс утверждал, что эта песня предвосхитила социальные потрясения, постигшие Великобританию в середине 80-х годов.

[black-rook]

 The Wall [/color]



Дата выхода: UK: 30 ноября 1979/US: 8 декабря 1979
Компания: EMI Records Ltd
Студия: Super Bear Studios, CBS
Звукорежиссер: James Guthrie
Продюсер: Bob Ezrin, David Gilmour, Roger Waters
Дизайн: Gerald Scarfe, Roger Waters

Роджер Уотерс: бас, вокал
Дэвид Гилмор: гитара, вокал
Ник Мэйсон: ударные
Рик Райт: клавишные
Michael Kamen: оркестровые аранжировки
Bob Ezrin: оркестровые аранжировки
Islington Green School Choir: вокал
Bruce Johnston, Toni Tenille, Joe Chemay, John Joyce, Stan Farber, Jim Haas: бэк-вокал

Track List CD1:
[03:19] 01 - In The Flesh?
[02:29] 02 - The Thin Ice
[03:10] 03 - Another Brick In The Wall (Part 1)
[01:50] 04 - The Happiest Days Of Our Lives
[03:59] 05 - Another Brick In The Wall (Part 2)
[05:33] 06 - Mother
[02:47] 07 - Goodbye Blue Sky
[02:08] 08 - Empty Spaces
[03:31] 09 - Young Lust
[03:36] 10 - One Of The Turns
[04:16] 11 - Don't Leave Now
[01:14] 12 - Another Brick In The Wall (Part 3)
[01:14] 13 - Goodbye Cruel World

Track List CD2:
[04:41] 01 - Hey You
[02:40] 02 - Is There Anybody Out There?
[03:24] 03 - Nobody Home
[01:33] 04 - Vera
[01:27] 05 - Bring The Boys Back Home
[06:21] 06 - Comfortably Numb
[01:36] 07 - The Show Must Go On
[04:16] 08 - In The Flesh
[04:23] 09 - Run Like Hell
[03:58] 10 - Waiting For The Worms
[00:30] 11 - Stop
[05:19] 12 - The Trial
[01:43] 13 - Outside The Wall

"The Wall" — рок-опера и концептуальный альбом Pink Floyd. Критики и поклонники группы единодушно расценили этот альбом, как один из лучших в истории Pink Floyd (наряду с "Dark Side of the Moon" и "Wish You Were Here"). Сейчас альбом считается классикой рока, а его болезненные, депрессивные мотивы вдохновляют многих современных музыкантов.

Роджер Уотерс пришел к идее создания этого альбома во время тура 1977 года под названием "Pink Floyd In the Flesh", раскручивавшего пластинку "Animals". Во время концерта в Монреале Уотерс, выведенный из себя поведением одного из фанатов, не выдержал и плюнул ему в лицо. Ужаснувшись от содеянного, Уотерс пришел к идее воздвижения стены между собой и аудиторией, той идее, которая позже будет развита им в альбоме.

Все песни были написаны Роджером Уотерсом, за исключением "Young Lust", "Comfortably Numb" и "Run Like Hell", соавтором которых выступил Дэвид Гилмор, и The Trial, написанной в соавторстве с Бобом Эзриным (Bob Ezrin).

Альбом 23 раза становился платиновым, и занимает третье место в списке самых продаваемых в истории альбомов в США. В 1980 году "The Wall" стал первым номером в чарте "Billboard".

Изначально пластинка была издана студиями Columbia Records в США и Harvest Records в Великобритании, а затем в 1994 году состоялось переиздание альбома в цифровом формате (digitally remastered) на студии EMI. Columbia переиздала диск в 1997 году, и эта пластинка получила распространение в США и остальном мире. К 20-летнему юбилею альбома в начале 2000 года студия Capital Recods в США и EMI во всем остальном мире вновь переиздали альбом, выпущенный в 1997 году.

В 1998 году в опросе журнала Q, в котором принимали участие читатели, "The Wall" занял 65-е место среди самых великих альбомов в истории.

***

Концепция альбома зародилась во время тяжелейшего мирового тура группы «In The Flesh» в 1977 году. Здесь музыкантам впервые пришлось столкнуться с выступлениями на крупнейших стадионах мира, часто вмещавших более 100 тысяч зрителей. Этот опыт оказался особенно разрушительным для психики Уотерса, который просто возненавидел аудиторию и утратил контакт с другими членами группы. (Вспомните об уже упоминавшемся случае, когда Роджер во время концерта плюнул в лицо одному из фэнов.) Потрясенный собственным поведением, Уотерс стал с тех пор подумывать о физической преграде, которая отделила бы его от аудитории, не понимающей ни его самого, ни его музыки.

The Wall задумывалась одновременно как шоу, альбом и фильм. Стена приобрела метафорическое значение, включая в себя как личные защитные барьеры, которые люди возводят вокруг себя, так и барьеры, воздвигаемые обществом на пути свободы выражения. По мере работы сюжет приобрел более личный смысл, объединив историю отчуждения Сида Баррета и недавний опыт самого Роджера в рассказе о рок-звезде по имени Пинк, балансирующей на грани безумия. Этот образ Уотерс наделил многими из собственных мучительных переживаний, включая потерю отца, мрачные школьные годы и неверность жены, каждое из которых становилось еще одним «камнем» в стене, отделяющей героя от остального мира.

In The Flesh? - задумывалась как пародия на то, чем, по мнению Уотерса, стала группа. Он отчетливо сознавал, что PINK FLOYD все больше и больше жертвует утонченностью ради напыщенной театральности. Разочарованный в массовых выступлениях, Роджер пришел к выводу, что рок-концерты скорее напоминают войну, чем развлечение.

На шоу эта первая песня исполнялась «дублирующей» группой, на участниках которой были надеты маски настоящих членов PINK FLOYD. Все это, по мысли Уотерса, должно было напоминать некое «нацистское действо», которое открывает полубезумный Пинк.

Внимательные слушатели могут заметить, что самыми первыми словами альбома, сопровождаемыми жалобной мелодией еврейской скрипки, являются «...we came in?» Эта фраза лишена смысла, пока вы не услышите последних слов альбома: «Isn't this where...», что составляет фразу, означающую в переводе: «Разве мы здесь не причем?» Это подчеркивает циклический характер альбома, предполагая, что вслед за разрушением одной стены немедленно начинается возведение новой.

The Thin Ice - посвящена детству обоих, Уотерса и Баррета, которое было омрачено потерей отцов. Отец Роджера погиб в 1944 году на войне, когда тому не было и года, а отец Сида умер от рака, когда тому было всего 12. Из текста песни становится ясно, что Пинк обречен на страдания, будучи человеком чувствительным и неуравновешенным.

Another Brick In The Wall (Part 1) - как указывал сам Уотерс, не просто о детях, чьи отцы погибли на войне, а о более общем чувстве покинутости и о том, как это ощущение собственной неполноценности заставляет человека окружать себя эмоциональными барьерами.

The Happiest Days Of Our Lives - посвящена школьным годам Пинка, которые явились еще одним камнем в стене. Кембриджская средняя школа для мальчиков, где учился Уотерс, славилась высокими стандартами образования, однако часто это достигалось драконовскими мерами. К тому же выросший без отца Роджер искал в учителях поддержку, в которой большинство из них ему отказали. Они поощряли успехи Роджера в науках, но безжалостно высмеивали его первые поэтические опыты. Уотерс особо подчеркивал, что песня не является осуждением всех учителей как таковых, а лишь плохих, которые стремятся заставить детей быть «тихими и прилежными» и привить им правильное поведение, чтобы они могли потом поступить в университет и «хорошо устроиться в жизни».

В фильме Паркера учитель высмеивает перед всем классом стихотворение Пинка, в котором можно узнать «Money» с Dark Side Of The Moon.

Another Brick In The Wall (Part 2) - к глубокому сожалению автора часто интерпретируется как протест против образования вообще. На самом же деле это протест лишь против плохих учителей и основанных на механическом запоминании форм обучения («контроль за мыслями»), которые, по мнению Уотерса, препятствуют развитию свободного мышления и воображения. Тем не менее, песня оказалась гораздо более политически окрашенной, чем этого хотелось Роджеру, и была даже запрещена в Южной Африке.

Детский хор был найден в одной из школ Айлингтона, учитель музыки которой согласился привести в студию целый класс. Впоследствии разгорелся скандал, когда репортерам стало известно, что детям не досталось ни гонорара, ни даже альбома. После этого школа получила кучу денег на новое музыкальное оборудование, а Уотерс лично проследил, чтобы каждый ученик класса получил по экземпляру диска.

Mother - повествует о третьем камне в стене Пинка — его матери. Пытаясь компенсировать ему потерю отца, она окружает его любовью и заботой, стремясь оградить от любых трудностей в жизни. Уотерс считал особенно необходимым подчеркнуть, что в песне изображен не портрет его собственной матери Мэри, чьи социалистические убеждения во многом сформировали его мировоззрение, а некий обобщенный образ, основанный на наблюдении за слишком заботливыми матерями, растящими своих детей эмоционально ранимыми и беспомощными. С этой точки зрения интересно отметить, что, покинув музыкальный мир, Сид Баррет вернулся к своей матери Уинифрид, с которой жил до самой ее смерти в 1991 году. В плане сюжета особенно важно то, что решенная во фрейдистском духе фигура матери препятствует развитию отношений Пинка с женщинами.

Goodbye Blue Sky - посвящена наиболее часто встречающейся в творчестве группы теме — вступлению из детства в мир взрослых. В названии песни использована фраза, ставшая популярной во время второй мировой войны, означающая, что ничего хорошего не предвидится.

Empty Spaces - первоначально называлась «What Shall We Do Now?» И трэк с этим названием присутствовал в записи альбома. Однако позднее из-за недостатка объема на виниловом диске он был опущен. Это произошло так поздно, что он продолжает значиться в списке вещей альбома. В песне речь шла о поисках Пинком своего места в мире взрослых. Вещь «Empty Spaces», помещенная в конце второй стороны, включает в себя лишь первые строки оригинала не без ущерба для смысла.

Перед началом песни можно разобрать какую-то невразумительную речь, которая становится понятной, если проиграть диск наоборот: «Поздравляем, вы только что обнаружили тайное послание. Присылайте свои ответы Старому Пинку на Смешную Ферму в Чэлфонте».

Young Lust - рассказывает об одной из сторон жизни рок-звезд, войти в круг которых решает Пинк. В ожидании своего выступления он охвачен «юношеской похотью» в окружении на все готовых группиз. Первоначально в песне рассказывалось об интересе молодого Пинка к суррогатному сексу, присутствующему в порнофильмах и журналах, так как он испытывал страх перед настоящим. Нельзя не отметить некоторое влияние на эту песню ранней композиции группы «The Nile Song», имеющей сходную тематику.

В плане сюжета наиболее важным является телефонный разговор в конце песни. Пинк звонит из тура своей жене в Англию и слышит голос другого мужчины. Возможно, этот эпизод имел в своей основе реальное событие из жизни Уотерса с его первой женой Джуди Трим. В фильме Пинк забирает одну из девушек в свой трейлер, а потом в номер отеля.

One Of My Turns - композиция, в которой рассказывается о том, как обезумевший Пинк крушит свой номер, была основана на реальных событиях, произошедших с Роем Харпером. На одном из концертов-презентаций альбома Wish You Were Неге в июле 1975 года он обнаружил перед самым выходом на сцену, что его сценический костюм исчез. Охваченный внезапным приступом ярости, он тогда разгромил трейлер группы и серьезно порезал руку.

В фильме, придя в номер, Пинк включает телевизор и не обращает никакого внимания на девушку, целиком поглощенный своими мыслями. Когда по его щеке скатывается слеза, он внезапно приходит в ярость и начинает крушить обстановку. Характерно, что игравший роль Пинка Боб Гелдоф во время исполнения этой сцены тоже порезался.

Don't Leave Me Now - представляет собой мучительную попытку уставшего от одиночества Пинка вернуть жену, которую, как ему кажется, он все еще любит. Однако за очевидным сюжетом прослеживается горькая ирония Уотерса по поводу супружеских взаимоотношений, которые ему приходилось наблюдать. Роджер подчеркивал, что «это очень циничная песня, но я теперь не отношусь к браку подобным образом».

Another Brick In The Wall (Part 3) - обозначает момент, когда вокруг Пинка действительно начинает воздвигаться стена. Отвергнутый, он решает, что окружающий мир ему больше не нужен. Здесь нетрудно увидеть указание на Сида Баррета, друзья которого впоследствии отмечали, насколько быстро произошел его уход в кататонию.

Goodbye Cruel World - композиция, в которой используется рифф из «See Emily Play», описывает состояние человека, отвернувшегося от мира и замкнувшего себя в непроницаемый кокон. «Это начало кататонии, если хотите... — объяснял Уотерс, — и он уходит в себя, он сворачивается в клубок, и он не хочет двигаться. Вот и все, с него достаточно, это конец».

На шоу Уотерс обычно исполнял эту песню, выглядывая из-за стены через единственное оставшееся отверстие. В конце песни он закладывал в него последний камень, делая стену Пинка непроницаемой. Предполагается, что все последующие события происходят в больном сознании героя.

Группа теперь играет из-за стены, и все, что видят зрители, — это нагромождение белых кирпичей.

Hey You - является одной из наиболее значимых вещей на альбоме. Ее слова не относятся непосредственно к герою, а, скорее, представляют собой страстный призыв к установлению нормальных взаимоотношений между всеми людьми, прячущимися за своими стенами. Запершись в своем номере, Пинк обращается к своим друзьям и любимым с просьбой не покидать его. В этой песне впервые появляется образ червей, символа тления, которые поражают сознание ушедших в болезненную изоляцию людей.

Эта песня была перемещена со своего первоначального положения в конце третьей части в более выигрышное положение в ее начале. Но это произошло так поздно, что ее текст оказался помещенным в альбоме не на своем месте.

Во время концертных выступлений группа начинала исполнять «Hey You», когда в зале еще горел свет и публика доедала хот-доги и мороженое.

Is There Anybody Out There? - это вопрос Пинка, на который он не получает ответа, таким образом убеждаясь, что его изоляция вполне реальна. Диалог в начале принадлежит американскому вестерну «Gunsmoke», который идет по телевизору в номере Пинка.

В фильме этому трэку соответствует, наверное, самая сильная сцена развивающегося психоза. Пинк идет в ванную бриться, но его помраченный разум выкидывает с ним одну из своих шуток, и он сбривает себе также брови и волосы на груди. Эта кровавая сцена не была предусмотрена сценарием, однако Гелдоф настолько вошел в образ, что не смог остановиться. Для всех, кто близко знал Баррета, это явилось жутким отголоском его патологического поведения в период погружения в болезнь. Однажды Сид сбрил себе брови, надел женское платье и в таком виде прогуливался по Кингз-роуд. В другой раз во время званого обеда он вышел из-за стола, обрезал свои длинные волосы тупыми ножницами и как ни в чем не бывало вернулся за стол.

Nobody Home - это болезненный самоанализ Пинка, в ходе которого ему становится очевидно, что его как бы не существует, «никого нет дома». В основу песни легла одна из последних вещей Баррета в составе группы «Vegetable Man», которую Уотерс не включил в альбом A Saucerful Of Secrets как слишком откровенно показывающую состояние Сида. Написанная на кухне у Питера Дженнера, она представляла собой ироническое описание Сидом собственной одежды и внешности.

Строчка: «У меня есть резинки, чтобы не спадали мои ботинки», — имеет прямое отношение к Баррету, который в конце своего сотрудничества с группой имел обыкновение носить грязные ботинки «гохилз», связанные между собой резиновой лентой. Упоминание об «обязательной завивке под Хендрикса» относится к перманенту за 20 фунтов, который озабоченный своими волосами Сид сделал в фешенебельном салоне на Найтсбридж по примеру Хендрикса и Клэптона. Строчка о рояле «для подпорки бренных останков», видимо, относится к Рику Райту, который, по мнению Уотерса, «совершенно выдохся», что повлекло его отстранение от записи альбома и в дальнейшем фактическое изгнание из группы. Упоминание о серебряной ложечке, возможно, не без иронии намекает на тогдашнее увлечение того же Райта кокаином.

На шоу в этой сцене в стене открывается люк, через который видно комнату мотеля с включенным телевизором и сидящего перед ним Пинка-Уотерса.

Vera - воспоминание о популярной во время второй мировой войны певице, чье творчество поднимало боевой дух солдат, сражавшихся в Европе и Африке. Образ Веры Линн всплывает в сознании Пинка под влиянием фильма «The Battle Of Britain», который идет по телевизору.

Bring The Boys Back Home - является, по словам Уотерса, центральной вещью альбома, поскольку она отражает то чувство утраты, которое он испытал в детстве, когда узнал, что его отец погиб на войне. «Она о том, чтобы не давать людям уходить и погибать на войне, — объяснял Роджер смысл песни, — но она также и о том, чтобы не давать рок-н-роллу, производству машин, торговле мылом, биологическим исследованиям или чему бы то ни было становиться настолько важными «мальчишескими играми», что они затмевают собой друзей, жен, детей, других людей».

Comfortably Numb - рассматривается многими как лучшее из всего созданного группой. Здесь звучит одно из наиболее мощных и эмоциональных гитарных соло Гилмора, уравновешенное глубоким психологизмом лирики Уотерса.

Согласно сюжету, в этот момент Пинк должен выйти на сцену. Голоса, слышные в начале вещи, звучат в его сознании и должны продемонстрировать всю отстраненность его от реальности. Эта сцена имеет параллель в реальном случае с Сидом, которого во время одного из выступлении летом 1967-го так и не удалось вывести из ступора. Уотерсу тогда пришлось просто повесить ему на шею гитару и в таком виде вывести на сцену, где он беззвучно простоял все выступление с руками, висящими вдоль тела. В комнату заходит техник, чтобы позвать Пинка, и, не получив ответа, вызывает врача, который делает Пинку укол (возможно, героина), чтобы тот мог отыграть шоу. Фигура «доктора Будьздоров» («Doctor Feelgood»), как называли такого рода эскулапов, являлась вполне привычной во время больших туров, когда в каждое выступление вкладывались сотни тысяч долларов и важно было не допустить его отмены любой ценой. Наиболее известным широкой публике стал случай с личным врачом Элвиса Пресли, который выписывал своему пациенту самые различные таблетки, чтобы тот только продолжал выступать и записываться, превратив, в конце концов, «короля рока» в самого настоящего токсикомана.

Песня отражает колебания Пинка между реальностью и фантазией. Первый и третий куплеты исполняются Уотерсом, играющим роль «доктора Будьздоров», а второй и четвертый, исполняемые Гилмором, представляют собой воспоминания Пинка о значимых моментах в его жизни, которые указывают на то, что некогда он был счастлив.

Во время концертного выступления гитарное соло исполнялось Гилмором на гидравлическом лифте, который поднимал его на вершину стены, где подсвеченная фигура марионетки отбрасывала гигантскую тень на аудиторию.

The Show Must Go On - отражает состояние Пинка перед выходом на сцену. Уотерс использует песню, чтобы еще раз выразить свое отношение к музыкальному бизнесу: шоу должно продолжаться любой ценой, невзирая на физическое или психологическое состояние звезды.

Уотерсу хотелось смягчить песню легкими гармониями в стиле BEACH BOYS, и он даже пригласил группу для записи вокальных партий. Однако Майк Лав решил, что тема песни не вписывается в имидж группы и отклонил предложение. Это, впрочем, не помешало Брюсу Джонстону все-таки принять участие в записи альбома и создать необходимое звучание.

In The Flesh - представляет собой повторение темы, звучащей в начале альбома. Пинка, как некогда Сида, выводят на сцену, и под действием наркотика он начинает кривляться. Словами «Пинк нездоров, он остался в отеле» он дает публике понять, что на смену его нормальной личности на свет вышла темная, жестокая и озлобленная сторона его психики. Он создает карикатуру на самого себя, представляя себя неким фашистским лидером. Уотерс считал подобное самоуничижение, обратной стороной которого является агрессия, закономерным финалом самоизоляции и духовного разложения.

Run Like Hell - обычно представлялась Уотерсом на концертах как «Run Like Fuck» — вещь для всех параноиков, сидящих в зале». Эта песня поднимает одну из излюбленных тем Роджера — страха перед фашизмом и государственным тоталитаризмом. Его интерес к фашизму возник из более общего интереса к войне, унесшей жизнь его отца. Размышляя над механизмом прихода фашистских лидеров к власти, Уотерс не смог не отметить параллели, существующей между массовой истерией, порождавшейся в толпе фюрерами прошлого, и атмосферой во время рок-концертов, позволяющей звездам легко манипулировать толпой.

Waiting For The Worms - начинается с криков: «Pink Floyd!», которые переходят в крики: «Hammer!» «Молотками» и «червями» Пинк называет свою секту, эмблемой которой являются скрещенные черно-красные молотки. В больном воображении Пинка рок-концерт превращается в фашистский митинг, на котором он ощущает себя фюрером и, обращаясь к толпе через мегафон, призывает ее к походу против социальных меньшинств.

Stop - отражает внезапный момент ясности в сознании Пинка. Действие наркотика заканчивается, и он вновь начинает балансировать между своей обычной личностью и ее болезненным двойником. Решившись вступить в борьбу с червями, он должен теперь предстать перед судом, чтобы сбросить с себя груз прошлого и освободиться из своей изоляции.

The Trial - представляет собой сцену суда, происходящего в душе Пинка, во время которого перед его внутренним взором предстают все главные действующие лица его жизни, предъявляющие претензии на его несчастную душу. «Выставление напоказ перед тебе подобными», к которому приговаривает Пинка суд, является мучительным, однако необходимым моментом внутреннего освобождения.

Первоначально Уотерс хотел закончить альбом, оставив стену на месте, однако потом не без участия Боба Эзрина песня получила более оптимистическое звучание.

Outside The Wall - представляет собой своего рода постскриптум, в котором Уотерс обращается к слушателям непосредственно. Он чувствовал, что, так же, как и в Animals, без этого послесловия альбом может быть понят слишком буквально. Другой его заботой было то, что он боялся показаться слишком пессимистичным.

Самым последним, что слышно на альбоме, является звук пикирующего немецкого истребителя «штука», убившего отца Уотерса в Анцио.

[black-rook]

 The Final Cut [/color]



Дата выхода: UK: 21 марта 1983/US: 2 апреля 1983
Компания: EMI Records Ltd
Студия: 8 студий в Англии
Звукорежиссер: James Guthrie, Andy Jackson
Продюсер: Roger Waters, James Guthrie, Michael Kamen
Дизайн: Roger Waters

Роджер Уотерс: бас, вокал
Дэвид Гилмор: гитара, вокал
Ник Мэйсон: ударные
Raphael Ravenscroft: саксофон
Michael Kamen: фортепиано, фисгармония
Andy Bown: орган
Andy Newmark: ударные
Ray Cooper: ударные
National Philharmonic Orchestra (дирижер Michael Kamen)

Track List:
[03:00] 01 - The Post War Dream
[04:26] 02 - Your Possible Pasts
[01:11] 03 - One Of The Few
[03:16] 04 - When The Tigers Broke Free
[02:43] 05 - The Hero's Return
[05:18] 06 - The Gunner's Dream
[03:41] 07 - Paranoid Eyes
[01:17] 08 - Get Your Filthy Hands Off My Desert
[04:12] 09 - The Fletcher Memorial Home
[02:10] 10 - Southampton Dock
[04:45] 11 - The Final Cut
[04:56] 12 - Not Now John
[05:20] 13 - Two Suns In The Sunset

Этот сольный альбом Уотерса, в котором ему принадлежит все кроме названия, посвящен памяти его отца Эрика Флетчера Уотерса и является наиболее личным из всего записанного Роджером. Рабочее название альбома «Spare Bricks» дает некоторое представление о его содержании. Составленный из музыкальных фрагментов, записанных для альбома The Wall и фильма «Pink Floyd The Wall», но не вошедших туда, альбом первоначально рассматривался как отдельный саундтрэк к фильму. Однако постепенно он оформился в полномасштабный альбом с собственной концепцией, куда вошли новые песни.

Уотерс уже давно чувствовал потребность выразить те чувства вины и сожаления по поводу гибели отца, которые переполняли его. Однако разразившийся в апреле 1982 года англо-аргентинский конфликт из-за Фолклендских островов придал альбому дополнительное измерение. В результате альбом получил двойственное название The Final Cut. С одной стороны, это термин киноиндустрии, обозначающий стадию производства, когда лента готова для копирования; с другой, парафраз шекспировского выражения, обозначающего предательский удар в спину. И в том, и в другом случае здесь содержится намек на непростые отношения Уотерса с режиссером фильма «The Wall» Аланом Паркером

Альбом оплакивает как гибель солдата, так и гибель идеалов, за которые он пал. «The Final Cut (A Requiem For The Post-War Dream) говорит о чувстве, что я, возможно, предал (отца), поскольку мы не сделали ничего, чтобы жизнь стала лучше», — объяснял Уотерс смысл концепции альбома.

The Post-War Dream - начинается с того, что «Герой» слушает новости Би-Би-Си по приемнику в своей машине. Там, в частности, сообщается о решении английского правительства поручить строительство нового корабля на замену потопленному во время конфликта «The Atlantic Conveyor» Японии, в то время как этот контракт был жизненно необходим верфям в Клайдсайде для сохранения рабочих мест.

Песня навлекла на себя много критики. Многие посчитали лицемерием нападки Уотерса на тогдашнего британского премьера Маргарет Тэтчер, принимая во внимание его богатство. Досталось Роджеру и за «япошек», вся молодежь которых якобы помышляет о самоубийстве.

Гилмор, со своей стороны, считал эту вещь символом той пропасти, которая образовалась между Уотерсом и остальной группой. «Я не мог понять, как кто-либо может хотеть снова и снова слушать об Уотерсе и смерти его отца», — возмущался он.

Your Possible Past - рассматривалась первоначально как версия композиции «Stop» из фильма «Pink Floyd The Wall». Она начинается с лязганья железнодорожных вагонов, воскресающих в памяти, так называемых «скотовозов», на которых нацисты отправляли в концентрационные лагеря евреев, цыган, гомосексуалистов и всех несогласных с режимом. Уотерс хочет сказать, что прошлое легко забывается и чудовищные по своим масштабам военные злодеяния второй мировой войны так ничему нас и не научили.

Последний куплет, помещенный на вкладке к CD, включает слова, которые в песне не исполняются.

One Of The Few - является как бы развитием образа учителя из The Wall. Здесь выясняется, что во время войны он был пилотом бомбардировщика. Повидав в своей жизни так много смертей, он теперь учит умирать школьников. В названии песни использованы слова Уинстона Черчилля в адрес английских летчиков, фактически выигравших битву за Британию: «Никогда за всю историю войн так много людей не было обязано столь многим столь немногим». На бомбардировщике летал и отец Уотерса,

The Hero's Return - описывает мучительное состояние героя, в памяти которого воскресают образы погибших. Его не понимают ни жена, с которой он может общаться, лишь когда она спит, ни неблагодарные, по его мнению, ученики.

В конце песни можно услышать нечто напоминающее «последние слова стрелка в шлемофоне». Этим стрелком был Эрик Флетчер Уотерс.

The Gunner's Dream - отражает надежду всех прошедших через кровопролитную войну, что мир после нее изменится к лучшему. Как это ни печально, подобный идеализм всегда вступает в противоречие с желанием остальной части общества побыстрее забыть о войне и вернуться к тому, что было.

Образ «клочка чужой земли» заимствован Уотерсом из стихотворения Руперта Брука «The Soldier», посвященного первой мировой войне.

Paranoid Eyes - это портрет разочарованного стареющего учителя и других ему подобных, пожертвовавших своими мечтами ради людей, которые никогда не поймут, через что им пришлось пройти.

Get Your Filthy Hands Off My Desert - начинается с одного из самых поразительных звуковых эффектов во всем творчестве группы. Это звук ракеты, которая взлетает спереди от слушателя, перелетает через его голову и взрывается сзади. Песня представляет собой циничную насмешку над политиками, с легкостью развязывающими конфликты, в которых гибнут люди. К сожалению, непереводимая на русский язык игра слов «desert-dessert» создает образную параллель между амбициозными политиками, ведущими войну за клочок пустынной земли, и детьми, ссорящимися из-за десерта.

«Крейсер со всей командой» — имеется в виду «Sir Galahad», потопленный выпущенной с аргентинского самолета ракетой во время Фолклендского конфликта.

The Fletcher Memorial Home - одна из самых злых песен Уотерса, в которой он выражает свое отношение к политикам, играющим жизнями людей, как в солдатиков. «Окончательное решение», которое Роджер предлагает применить к этим неисправимым демагогам, является тем же самым, которое некогда приняли в отношении миллионов людей их немецкие коллеги.

Southampton Dock - посвящена Фолклендскому конфликту, который противопоставляется сражениям Второй мировой войны. Саутгемптонский док был местом, откуда войска отправлялись в зону конфликта.

Сенотаф — памятник в Лондоне воинам, погибшим во время Первой мировой войны. Женщина, «сжимающая скользкие вожжи», возможно, имеет отношение к Маргарет Тэтчер. Образ мака, уже встречавшийся в «Your Possible Past», является одним из ключевых символов войны в Европе и особенно в Англии, где красные бумажные маки прикрепляют к одежде в память о живых и мертвых ветеранах в День памяти. Семена маков могут долгое время лежать в земле и прорасти лишь тогда, когда земля подверглась взрыхлению. Соответственно места кровопролитных сражений Первой мировой оказались усеяны кроваво-красными цветами, создав таким образом естественный мемориал в память погибших.

Выражение The Final Cut , вынесенное в название песни, имеет в английском языке двоякий смысл: его можно перевести как «окончательный монтаж» и как «последний удар». В этом последнем смысле название песни и альбома в целом намекает на взаимоотношения Уотерса с режиссером фильма «The Wall» Аланом Паркером. На обложке альбома Уотерс изображен в военной форме, опирающимся на коробки с пленкой и с торчащим между лопаток мясницким ножом.

Not Now John - единственная из песен альбома, где Уотерс и Гилмор делят между собой вокальные партии. По словам Уотерса, это «довольно шизофреническая песня», в которой присутствуют два героя. Один из них не хочет больше ничего слышать о том, насколько безнадежно все вокруг. Другой голос, повторяющий: «заставь их смеяться, заставь их плакать, заставь их плясать в проходах», принадлежит герою песни «One Of The Few»,

В песне пародируется речь футбольных хулиганов и завсегдатаев пабов с их ограниченностью, ксенофобией и агрессивностью.

Two Suns In The Sunset - была написана под влиянием фильма «The War Game». Снятый еще в 1961 году для Би-Би-Си, он был показан лишь двадцать лет спустя, поскольку цензоры в то время посчитали его слишком реалистическим. В фильме была показана ядерная бомбардировка Лондона и ее последствия. Последняя песня альбома, как и первая, начинается с радиопередачи, которорую «Герой» слушает в своей машине. Он направляется в сторону заката и неожиданно видит ослепительное солнце в зеркале заднего вида.

«Это очень легко сказать: «Да, все возможно, и катастрофа может произойти», не представляя себе, на что это может быть похоже, — комментировал Роджер содержание песни. — Поэтому в песне говорится: «Теперь я понимаю чувства тех немногих», под которыми имеются в виду пилот бомбардировщика, стрелок, мой отец и все остальные жертвы войны. Мне кажется, эта песня созвучна со второй, где есть строчка: «предупреждение для всех пока еще в силе позаботиться о своем возможном будущем».

Детские голоса на трэке принадлежат сыновьям Уотерса — Хэрри и Индии.

29 марта 2004 года "The Final Cut" был переиздан, в альбом была добавлена композиция "When The Tigers Broke Free", она расположилась между "One Of The Few" и "The Hero's Return".

[black-rook]

 A Momentary Lapse Of Reason [/color]



Дата выхода: UK: 7 сентября 1987/US: 8 сентября 1987
Компания: EMI Records Ltd (UK); Columbia Records (US)
Студии: Astoria (Hampton),
Britannia Row Studios (London),
A & M Studios (LA),
Can Am Studios (LA),
Village Recorder (LA),
Mayfair (London),
Audio International (London)
Звукорежиссер: Andrew Jackson
Продюсеры: Bob Ezrin, David Gilmour
Дизайн: Storm Thorgerson

Дэвид Гилмор: гитара, вокал, клавишные, синтезатор
Ник Мэйсон: ударные, звуковые эффекты
Рик Райт: клавишные, вокал
Bob Ezrin: клавишные, ударные, синтезатор
Tony Levin: бас-гитара
Jim Keltner: ударные
Steve Forman: ударные
Jon Carin: клавишные
Tom Scott: саксофон
Scott Page: саксофон
Carmine Appice: ударные
Pat Leonard: синтезатор
Bill Payne: орган Hammond
Michael Landau: гитара
John Halliwell: саксофон
Darlene Koldenhaven, Carmen Twillie, Phyllis St. James, Donnie Gerrard: бэк-вокал

Track List:
[04:23] 01 - Signs Of Life
[04:52] 02 - Learning To Fly
[06:03] 03 - The Dogs Of War
[05:08] 04 - One Slip
[05:41] 05 - On The Turning Away
[07:26] 06 - Yet Another Movie / Round And Around
[01:46] 07 - A New Machine (Part 1)
[06:15] 08 - Terminal Frost
[00:38] 09 - A New Machine (Part 2)
[08:48] 10 - Sorrow

После отказа Уотерса от дальнейшего сотрудничества с группой перед Гилмором встала во весь рост нелегкая задача концептуального оформления альбома. После нескольких недель непрерывных «мозговых атак» Гилмор и Эзрин решили отказаться от идеи объединяющей темы, предпочтя ей свободное течение, как нельзя лучше соответствующее атмосфере записи этого альбома на плавучем доме-студии Гилмора.

Перебрав несколько возможных вариантов названия альбома, Гилмор остановился на строчке из песни «One Slip» как наиболее соответствующей духу прежнего PINK FLOYD.

«Это великолепное название для так называемого пинк-флойдовского диска», — вынужден был признать Роджер Уотерс.

Signs Of Life (D. Gilmour — E. Ezrin) - имеет свои корни в демонстрационной записи, которую Гилмор сделал в 1978 году для своего первого сольного альбома. Впоследствии он переписал соло-гитару, однако весь фон остался прежним. К написанию композиции также приложил руку Боб Эзрин. Звук плывущей по реке лодки, производимый Мейсоном, задает тон всему альбому, который Гилмор первоначально хотел назвать по первой вещи, пока кто-то не заметил ему, что это будет хорошим подарком саркастически настроенным критикам.

Learning To Fly - в принципе, описывает переживания Гилмора, когда он учился пилотировать самолет. Однако в качестве метафоры эти переживаниия можно отнести к нелегкому искусству управления группой, которое осваивал Дейв. В написании текста этой песни ему помогал Энтони Мур. Основные музыкальные идеи песни были предложены клавишником Джоном Карином в ходе совместного с Гилмором джема у того в домашней студии.

The Dogs Of War - использует в своем названии шекспировское выражение, ставшее расхожим для обозначения наемников, и была инспирирована посвященными этой теме романами Фредерика Форсайта. К лирике этой песни также приложил руку Энтони Мур.

One Slip - композиция, строчка из которой дала название всему альбому, в необычайно искренних выражениях повествует о неосторожном порыве страсти, последствия которого накладывают отпечаток на всю последующую жизнь.

Музыка к песне была написана бывшим гитаристом ROXY MUSIC Филом Манзанерой.

On The Turning Away - является своего рода проповедью. Хотя идея песни и первые строки принадлежат Энтони Муру, ее гуманистический пафос оказался созвучен социальным взглядам самого Гилмора...

Yet Another Movie - являющаяся, по мнению Гилмора и Мейсона, одной из лучших вещей на альбоме, была написана в соавторстве с Пэтом Леонардом, некогда работавшим с Мадонной. Диалоги на втором плане взяты из фильмов «On The Waterfront» с Марлоном Брандо и «Casablanca».

Это наиболее сюрреалистическая песня из всего написанного Гилмором. «Yet Another Movie» трудно объяснить, — признавал Дейв. — Я склонен зацикливаться на личных переживаниях и реальности, но у меня есть желание сделать основу для своих песен более широкой, не скатываясь в то же время к фантазиям и рассказам о других людях (которые обычно меня мало интересуют), — и это одна из попыток осуществить задуманное».

Round And Around (D. Gilmour) - является инструментальным дополнением к «Yet Another Movie». Представляет собой фрагмент ранних демонстрационных записей.

A New Machine - не имеет никакого отношения к «Welcome То The Machine» с альбома Wish You Were Here. Гилмор всегда считал, что проблема позднего PINK FLOYD заключалась в желании Уотерса быть в своей лирике как можно более конкретным. В то же время многое из написанного лично Гилмором, никогда не ощущавшим себя прирожденным поэтом, по признанию самого автора, не имеет отчетливого смысла.

Terminal Frost (D. Gilmour) - как и «A New Machine», была записана двумя годами ранее для планировавшегося третьего сольного альбома. Тогда Гилмору еще не приходила в голову мысль о том, что он может возглавить PINK FLOYD. После долгих попыток превратить композицию в полноценную песню Дейв все же решил оставить ее, как есть. Единственными словами, которые повторяются снова и снова, являются: «Никогда больше». В названии, по-видимому, отразились отношения Гилмора с Уотерсом.

Sorrow - была инспирирована, по словам Гилмора, одним стихотворением, из которого он взял первую строчку песни, однако он так и не смог вспомнить ни самого стихотворения, ни его автора.

Эта песня представляет собой редкое исключение, когда Дейв написал сначала слова, а потом музыку. Мощное звучание гитарного соло было записано с помощью хитроумного трюка. Пленку с записью переправили в Лос-Анджелес, где она была проиграна в пустом зале спортивной арены через 30000-ваттные динамики, звук которых был записан с помощью специальных микрофонов.

[black-rook]

 The Division Bell [/color]



Дата выхода: UK: 30 марта 1994/US: 5 апреля 1994
Компания: EMI Records Ltd
Студия: 5 студий
Звукорежиссер: Эндрю Джексон
Продюсер: Боб Эзрин, Дэвид Гилмор
Дизайн: Сторм Торгерсон

Дэвид Гилмор: гитара, вокал, бас, клавишные
Ник Мэйсон: ударные
Рик Райт: клавишные, вокал
Bob Ezrin: клавишные, перкуссия
Jon Carin: клавишные
Guy Pratt: бас-гитара
Gary Wallis: перкуссия
Tim Renwick: гитара
Dick Parry: саксофон
Michael Kamen: оркестровые аранжировки
Sam Brown, Durga McBroom, Carol Kenyon, Jackie Sheridan, Rebecca Leigh-White: бэк-вокал

Track List:
[05:58] 01 - Cluster One
[04:21] 02 - What Do You Want From Me
[07:04] 03 - Poles Apart
[05:28] 04 - Marooned
[04:18] 05 - A Great Day For Freedom
[06:48] 06 - Wearing The Inside Out
[06:12] 07 - Take It Back
[06:19] 08 - Coming Back To Life
[06:11] 09 - Keep Talking
[05:14] 10 - Lost For Words
[08:31] 11 - High Hopes

Темой последнего альбома группы явилась классическая флойдовская тема отсутствия взаимопонимания между людьми, все последствия которого каждый из членов группы прекрасно ощутил на собственном опыте после многочисленных и судебных тяжб друг с другом. Здесь, как и в предыдущем альбоме, камнем преткновения явились для Гилмора слова песен, которые ему хотелось довести до высокого стандарта, выработанного Уотерсом. Большую помощь Дейву в этом нелегком для него деле оказала его новая подруга, журналистка Полли Сэмсон, чье имя значится в семи из одиннадцати композиций альбома.

Название диска происходит от названия колокола в Палате общин английского парламента, который подает сигнал к голосованию. Здесь этот образ использован как символ потери юношеских чистоты и идеализма.

Cluster One (R. Wright — D. Gilmour) - подобно «Shine On...», начинается мрачно-мистическим звучанием синтезаторов, на фоне которых следует своеобразная перекличка гитары Гилмора с фортепиано Райта. Так же, как «Shine On...» являлась печальным обращением к Сиду Баррету, «Cluster One» рассматривалась как прощальный привет Роджеру Уотерсу.

What Do You Want From Me? - была написана в соавторстве с Полли Сэмсон. «Большая часть слов явилась результатом нашего с Полли сотрудничества... — объясняет Гилмор, — а некоторые появились в моменты утраты взаимопонимания между нами. В название вынесены именно такие слова».

Poles Apart - отражает то, как далеко ушла группа за десять лет, прошедших после разрыва с Уотерсом. В этой песне Дейв грустит о потерянной дружбе с Роджером и впервые высказывает свою точку зрения на то, что произошло с Сидом. В работе над лирикой ему помогали Полли Сэмсон и Ник Лейрд-Клауз из THE DREAM ACADEMY.

Marooned (R. Wright -D. Gilmour) - имеет в своей основе мелодию, предложенную Риком Райтом. Гилмор решил включить эту композицию в альбом в качестве образца эмоционального джема, «вроде тех, что мы постоянно играли в старые времена». Несколько напоминающая «Comfortably Numb», композиция открывается «атмосферическим» синтезатором и фортепианной увертюрой на фоне криков кружащихся над головой чаек, постепенно развертываясь в полномасштабное эпическое полотно.

A Great Day For Freedom - была навеяна падением Берлинской стены, и ее первый куплет посвящен освобождению народов от коммунизма. Однако далее речь идет о закате отношений Гилмора с его женой Джинджер и пробуждении чувства к новой подруге.

Wearing The Inside Out - была написана вернувшимся в состав группы Риком Райтом в соавторстве с Энтони Муром. Это своего рода исповедь Рика и его первая вокальная партия с 1973 года.

Take It Back - Дейв Гилмор написал под влиянием телепередачи, где речь шла о новой разновидности вирусов, устойчивой к антибиотикам. В завершение передачи был сделан вывод о том, что рано или поздно мы придем к такому этапу развития, когда злоупотребление химическими средствами побудит природу восстановить утраченное равновесие. В песне говорится о женщине, однако на самом деле речь идет о Матери-Природе, которая может однажды забрать то, что принадлежит ей, жестоко отомстив человечеству за постоянные издевательства.

Coming Back To Life - еще одна песня, описывающая «воскресение» Гилмора после изнурительных судебных тяжб и разрыва с женой.

Keep Talking - была навеяна телепередачей, в ходе которой известный астрофизик Стивен Хокинг, из-за болезни нервной системы прикованный к инвалидной коляске и неспособный говорить, демонстрировал свой компьютерный синтезатор голоса. Гилмор был поражен стремлением ученого к самовыражению. «Я едва не плакал, — вспоминает Дейв. — Это было самой сильной телевизионной рекламой, что я когда-либо видел». Гилмор решил использовать электронный голос Хокинга на трэке как символ потребности людей в коммуникации.

Lost For Words - своего рода открытое письмо Гилмора Уотерсу. Побуждаемый Полли Сэмсон, выступившей в роли психотерапевта, Гилмор вновь и вновь обращается к испытываемым им чувствам гнева и сожаления, которые в течение многих лет вызывал у него бывший партнер. Центральным моментом в песне является досада от того, что Уотерс не принял предложения о полюбовном улаживании дела об использовании названия группы.

Строчка «Когда Правый выходит из дверей», видимо, намекает на уход из группы Рика Райта в 1979 году.

High Hopes - трогательное обращение к юношеским воспоминаниям, в которых присутствует река Кем, и Тропа, где юные кембриджские курильщики приобретали траву. Подобно Леннону, Гилмор сильно переживал из-за того, что оптимизм и идеализм юности часто приносятся в жертву жестокой реальности мира взрослых. В песне говорится о том, как амбиции могут омрачить радость жизни и дружбу.

В качестве дополнительного штриха к разрабатываемой альбомом теме отсутствия взаимопонимания служит помещенная в конце трэка запись короткого телефонного разговора между менеджером группы Стивом О'Рурком и четырехлетним сынишкой Полли Сэмсон, когда последний просто бросает трубку.

[black-rook]

 
Ник Мейсон (Nick Mason), Дэвид Гилмор (David Gilmour), Ричард Райт (Richard Wright), Роджер Уотерс (Roger Waters)


Сид Барретт (Syd Barrett)

В подготовке этой темы использован материал с сайтов pink-floyd.ru и lastfm.ru